Mystic Journey, nuevo disco, nuevo viaje por los sonidos del mundo.

por Pablo Rego | Mezclando sonidos de instrumentos particulares y característicos de las músicas del mundo, el grupo norteamericano va dibujando paisajes y situaciones de diversas partes a través de su nuevo trabajo “Kingdom of Mountains”

Con la fuerte presencia de flautas de diferentes culturas interpretadas por Suzanne Teng, las cuerdas e instrumentos de percusión de distintos países aportados por Gilbert Levy, Dann Torres tocando guitarra y el oud árabe, y la presencia de Jon Ossman en bajo y dilruba de India, “Mystic Journey” va creando climas en los que es posible sumergirse para dejarse llevar a diferentes rincones del planeta a través de evocaciones realizadas con seriedad y un profundo conocimiento.

El viaje por diferentes culturas relacionadas con la montaña tiene aire de ritual, de momento de contemplación de paisajes, de acciones del clima. “Kingdom of Mountains” va recorriendo geografías y expresando características culturales. Como un elixir esencial va extrayendo y convirtiendo en sonido particularidades relacionadas con la belleza, las costumbres y descubriendo esas gemas particulares y únicas que habitan las calles de una aldea de algún rincón del universo humano.

La experiencia del matrimonio Teng - Levy es catalizada en las diez composiciones de su propia autoría en este nuevo disco. Las piezas escritas por este equipo cuentan con numerosos instrumentos particulares y hermosos de todo el mundo. Además de instrumentos occidentales clásicos como flautas, guitarras y teclados, forman parte de la red de sonidos instrumentos originarios de China, India, países árabes, medio-Oriente o diferentes regiones de África y América.

“Mystic Journey” es el nombre del grupo que fue consolidándose con los años. En los primeros discos este nombre hacía las veces de apellido, cuando se presentaba como Suzanne Teng (Mystic Journey y Enchanted Wind) ó Suzanne Teng y Mystic Journey (Miles Beyond), pero a lo largo de los años, luego de tocar en todo Estados Unidos y diferentes países del mundo, el conjunto desarrolló una sinergia particular, una mística que fue ganando su propio territorio hasta definirse claramente en este nuevo trabajo. Quedó así definido el sello de “Mystic Journey” a secas para este nuevo trabajo.

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Kerani y su homenaje a los que viajan por el espacio en nombre de la humanidad.

por Pablo Rego | “Stardust” es el nombre del recientemente lanzado disco de la destacada pianista, tecladista, compositora, arreglista y productora belga, que ha grabado, en esta oportunidad, junto con una orquesta sinfónica y un conjunto vocal mixto.

Además de Kerani, quien toca el piano y una amplia gama de sintetizadores, han formado parte de este nuevo trabajo un grupo de sesenta músicos europeos dando forma a este elaborado proyecto.

Según Kerani, "El mensaje general de ”Stardust“ es conseguir que la gente conozca las maravillas de nuestro planeta, los misterios del universo y el milagro de la posición ideal de la tierra en la vía Láctea. Este álbum aplaude y celebra todos los avances y logros en el descubrimiento de nuevas tecnologías espaciales y datos sobre el Universo"

Kerani nació en Bélgica, hija de un padre húngaro y una madre alemana. Actualmente vive en el sur de los Países Bajos. Habla inglés, holandés, francés, italiano, húngaro y alemán. Formada en la música clásica y seguidora de la música electrónica desde los ‘70s y ‘80s, con ”Stardust“ vuelve a demostrar su posición como una de las principales exponentes de la música neoclásica y de la New Age.

Los temas de ”Stardust” están inspirados en elementos como el origen del Universo o la visión espacial del momento mágico del amanecer sobre un planeta; el viaje de una misión espacial o el movimiento permanente de la humanidad hacia el descubrimiento y la exploración del espacio; el misterio y la bastedad del Universo; la emoción de los humanos involucrados en cada misión espacial; la gravedad como un hecho físico de los cuerpos celestes; el profundo amor que manifiestan por la Tierra los exploradores del Universo o la fascinación de saberse hijos de las estrellas.

Kerani empezó a grabar música instrumental en 1986. Se desempeñó como vocalista y teclista en la banda Liaison. Escribió y publicó un libro de historias infantiles llamado ”Cherub“ ("cuenta la historia de un pequeño ángel que ayuda a los niños") y también orquestó quince canciones infantiles para un DVD instructivo para niños discapacitados.

Esta gran y completa artista, que dedica su tiempo a componer bandas sonoras para documentales históricos o científicos y escribe arreglos de piano  para otros artistas, señala: "Con “Stardust” intento destacar nuestra fragilidad como seres humanos que viven colectivamente en este Mundo y lo importante que es tratar a nuestro planeta con respeto. La Tierra es parte de algo mucho más grande de lo que nosotros como seres humanos podemos imaginar"

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Javier Ruibal presenta su disco “Quédate conmigo” en Argentina.

El cantautor español Javier Ruibal vuelve a Argentina para compartir su trabajo “Quédate conmigo” editado en este país en 2016. Se presentará en Buenos Aires el domingo 11 de junio a las 21hs. en Bebop Club, Moreno 364 Subsuelo.

La lista de temas destacables del repertorio de Ruibal es tan amplia como su carrera que lleva más de treinta y cinco años, con un gran reconocimiento tanto del público que lo ha seguido con gran admiración y fidelidad durante tantos años, como por parte de sus colegas cantantes.

Quédate conmigo es un disco originalmente editado en 2013 en España y está integrado por canciones de amor pero incluye también otras de carácter más crítico acerca de los niños que viven en condiciones de esclavitud, de la corrupción o de los abusos urbanísticos, entre otros.

Javier Ruibal es un músico que ha transitado un camino particular, sin apuntar de entrada a la búsqueda de la fama ni al marketing, ha ido ganándose de apoco y con solidez el espacio que hoy ocupa en el mundo de la música, tanto en su país como en el exterior.

En su música, Javier Ruibal practica la heterodoxia a la búsqueda de un lugar común donde la expresión popular confluye con otros modos más complejos y sofisticados, ligando resonancias del flamenco y la tradición árabe con los modos latinoamericanos, el jazz y el rock, a lo que se suma sus textos de marcado carácter poético.

Este gaditano nacido en El Puerto de Santa María, cuyas canciones siempre tienen un rasgo existencialista y relacionado con valores humanos, es un admirador de la cultura rioplatense. Su visita a Argentina es un viaje por las corrientes cálidas de la cultura que así como van llevando letras de reconocidos artistas argentinos, su influencia vuelve en forma de canción particular y personal en la voz y el arte de este gran artista andaluz.

La cita con Javier Ruibal y su disco “Quédate conmigo” será el domingo 11 de junio a las 21hs. en Bebop Club, Moreno 364 Subsuelo – CABA. Entradas $ 250, a la venta a través de www.bebopclub.com.ar o en Aldo´s Restaurante (de 15 a 20 hs). Info al 4331 3409 o 4343 0823

Un icono del bluegrass con disco nuevo.

Compass records lanza el nuevo álbum “Original” de Bobby Osborne, quien a sus ochenta y cinco años revitaliza su carrera manteniendo el mismo espíritu musical aventurero que dio un carácter vanguardista a The Osborne Brothers en los ‘60s y ‘70s.

Se recuerda una famosa actuación de The Osborne Brothers interpretando “Ruby” en 1971, un ejemplo de la potencia que la música bluegrass tomó a partir de ese momento.

Alison Brown, cofundadora y productora de Compass, reunió a un grupo de mejores músicos y cantantes de bluegrass para la grabación del nuevo trabajo. Vince Gill, Sam Bush, Sierra Hull, Del McCoury, Jim Lauderdale y Claire Lynch son sólo algunos de los artistas destacados que participan en “Original”

Alison, además, contribuye con la carrera actual de Bobby creando un espacio para él en el nuevo disco de Alison Krauss, “WindyCity”, en el que Bobby Osborne ha coescrito el tema que da título al disco.

Como muestra del espíritu de este nuevo álbum de bluegrass está disponible el video del tema "Kentucky Morning", una canción inédita de Darrell Scott. En la grabación participan glorias e iconos del género que vienen de condados vecinos a Kentucky del este y cuando cantan juntos, en los coros, puede apreciarse un verdadero trío de Kentucky. El video incluye fotos del archivo de la familia Osborne, así como fotos históricas de National Cash Register y el Frontier Nursing Service.

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El nuevo disco de Timothy Wenzel, explorando la naturaleza de dentro y de fuera.

por Pablo Rego | El músico, compositor y científico norteamericano Timothy Wenzel, quien se ha vuelto una gran referencia en el mundo de la New Age, presenta al mundo su sexto álbum solista titulado “What we hold dear” en el que explora, a través de sus melodías originales, la expresión musical de la naturaleza y de los valores humanos más profundos en un clima que invita a la serenidad y a la reflexión.

El nombre del disco “Whatwe hold dear” (aquello que queremos)  hace referencia a las cosas importantes, a aquello que hemos aprendido a querer y valorar en la vida, lo que resulta siempre una inspiración para seguir adelante, por ejemplo, en momentos difíciles. Timothy Wenzel rescata momentos significativos de su vida para componer cada uno de los temas del álbum.

La familia, la música, la naturaleza, el mundo y el universo, la espiritualidad, los sueños, lugares especiales y gente especial con la que se interactúa como una manera de entrar en contacto  con el poder de ríos, lagos y océanos. Esa inspiración es un sello que acompaña, según palabras de Wenzel,  el recorrido por “What we hold dear”

Timothy Wenzel es un ex científico que se ha convertido en un tecladista emblemático de la música New Age. Utiliza su música para explorar los conceptos universales más importantes, así como las filosofías, sentimientos y aventuras que pertenecen a nuestra vida cotidiana.

Musicalmente Wenzel pone el mayor énfasis en el piano, que ha tocado toda su vida, pero también es un maestro en el sintetizador y refuerza las partes de piano con una amplia variedad de sonidos instrumentales incluyendo flauta, instrumentos de viento de  madera, arpa, guitarras, cuerdas, bajo, batería y percusión. La música de Wenzel tiene gran atractivo en el género de la New Age, especialmente debido a las melodías y arreglos de ensueño que crean una sensación de tranquilidad y relajación.

En “What we holddear” Wenzel se junta con varios invitados especiales - la violinista Josie Quick que interpreta diez de las doce canciones (también Wenzel  apareció en su último álbum), el violonchelista Jordan Schug (que está en la mitad de las melodías) y la cantante Sarah Joerz (que vocaliza sin palabras en una sola pieza).

Siempre hay un elemento visual dentro de la música de Wenzel que a menudo se inspira en sueños, películas, historias y paisajes de la naturaleza. Además, por cada melodía que suele buscar una obra de arte adecuada que pone a disposición para su visualización en su sitio web, compartiendo otra de sus inquietudes que es la fotografía.

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La nueva mezcla de sabores musicales de Jack Gates.

por Pablo Rego | El guitarrista y compositor norteamericano Jack Gates presenta su nuevo disco “Bring the flavors” en el que incorpora sutiles rasgos estilísticos musicales, motivos y ritmos de todo el mundo, incluidos India, América del Sur y Central, Cuba y el Caribe, África y Europa.

Como un estudioso de géneros y ritmos, a través de sus años de búsqueda y práctica de la guitarra y otros instrumentos, Gates manifiesta en su música una forma de raga o un toque de samba o una estructura afro-cubana, entre otros elementos característicos, con naturalidad y precepción. Esos elementos de fusión del mundo se mezclan con sonidos de música new age, jazz o folk, para crear una mezcla deliciosa con un amplio atractivo para muchas audiencias.

Jack Gates es aficionado a la meditación budista, estado en el cual ha ido captando señales que fue canalizando para conformar luego estructuras musicales que le permitieran recrear esos sonidos en temas nuevos. “Bring the flavors” fue concebido en las montañas de Santa Cruz, California, en medio de un bosque que lo cobijó para explorar tranquilamente sus sensaciones, evocaciones y experiencias.

En la mayoría de los temas del disco Gates se junta con el baterista y percusionista Steve Robertson y el bajista acústico Stan Poplin. Otros huéspedes del álbum incluyen a Damon Masterson en la armónica en dos pistas, y Michal Palzewicz que toca el violoncelo en una sola pieza. Estos artistas son, como Gates, exploradores de la música del mundo y ha conectado desde el placer de explorar e interpretar los toques característicos de los diferentes géneros y ritmos de las distintas culturas del planeta.

Jack Gates es un intérprete, productor, arreglista, músico de sesión, compositor y profesor de guitarra de larga data. Ha producido álbumes y sesiones para Larry Stefl, Bill Meyer, Marc Silber y Deborah Henson-Conant. Gates también arregló y tocó la guitarra para la cantante Helene Attia que también contó con músicos como Norton Buffalo, Roger Glenn y Celso Alberti. Gates ha actuado en las grabaciones de Silvia Nakkach y Kit Walker (con Paul McCandless), Joanne Shenandoah, Steve Deutsch (con Omar Sosa), Chris Saunders, Juanita Newland, Rafael Manriquez y Quique Cruz, Fernando Sanjines y Samba do Coracao, Faranak, Bob Giles y muchos otros. Gates ha tocado en vivo con Frank Biner (Torre del Poder), Tyler Eng (Greg Kihn), Claudia Gómez, Jeff Narell, Klezmania, Chalo Eduardo, Monica Pasqual, Marcos Silva y otros.

“Bring the Flavors” es un disco para percibir sensaciones recreadas desde experiencias que trascienden conceptos, disfrutado de sutilezas en forma de música que evocan paisajes, climas, aromas o sabores de particulares rincones del planeta y su gente.

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Nuevo lanzamiento del cubano San Miguel en EE.UU.

San Miguel Pérez, conocido como "El Tresero Moderno" en su Cuba natal, es un músico excepcional, considerado uno de los mejores intérpretes del “tres” y la guitarra de Cuba. Su nuevo disco “Un poquito de amoreveryday” (Compass Records) manifiesta la relación de este artista cubano con el entorno que lo acoge en la actualidad en Estados Unidos.

Nacido en la provincia cubana de Granma, San Miguel, galardonado con dos Premios “Cubadisco” al Mejor Tresero y Mejor Intérprete de Música Tradicional Cubana, es, además de cantante, percusionista y compositor, un muy respetado conocedor de la música cubana.

“Un poquito deamor everyday” suena a Cuba, cuenta historias cotidianas, habla de amor, de experiencias, de sueños. Pero además tiene el color de la fusión y la multi-culturalidad de un artista que expande sus fronteras desde sus auténticas raíces.

Este completo artista cubano reside ahora en Los Ángeles, EE.UU., y más en los últimos tiempos ha estado escribiendo, tocando y grabando con la cantante-productora peruana Cecilia Noël y con el norteamericano ganador del GRAMMY Colin Hay  de “Men at Work”. El tema principal del nuevo disco de San Miguel, "Un Poquito de Amor Everyday", es un híbrido hispano-inglés que incluye a Colin Hay cantando en Inglés.

En Cuba, San Miguel  fue integrante de la banda de “Adalberto Álvarez y Su Son”, así como de “Jóvenes Clásicos del Son”, “Soneros de Verdad” y de la nueva generación del ya legendario “Buena Vista Social Club”. Además, formó parte de la producción nominada al GRAMMY “100 Sones Cubanos” de Edesio Alejandro.

Dice San Miguel: "Siempre quise mezclar mis raíces cubanas con un sonido rock / pop. Tuve la suerte de poder trabajar con Colin quien de inmediato se relacionó con el mensaje de la canción y naturalmente quiso colaborar"

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Ashaneen, nueva conexión con el infinito.

por Pablo Rego | El artista polaco Piotr Janeczek, quien firma con el nombre artístico "Ashaneen", regresa al disco con “Dancing on the Edge of Infinity” otra propuesta musical llena de profundidad, exploración y climas ideales para la introspección, la relajación o la práctica de la meditación.

El disco fluye a través de la creación de una sensación interior que Ashaneen va provocando a lo largo de las ocho pistas en las que va representando, mediante los instrumentos que él interpreta (sintetizadores, coros, coces, bansuri, flautas, piano, percusión, ambientes) un puente entre el Ser y la existencia, invocando al infinito y al mundo de la consciencia expandida.

Luego de su primer exitoso trabajo “Waves of life” con Real Music, esta nueva entrega con el mismo sello “Dancing on the Edge of Infinity”, da forma al proyecto de Piotr Janeczek “ Ashaneen”, cuyos temas, además de estar pensados para relajación y meditación,  también funcionan perfectamente para proyectos de documentales, películas y audio-video que incluyen temas como el espacio, la ciencia, la vida silvestre, la naturaleza, los viajes, la cultura, la historia, las relaciones humanas, la mente y la conciencia, paranormales y místicos, temas de ciencia ficción y fantasía; como ha sido el caso del premiado documental y trailer “Young Ice”, creado por el cineasta Derek Hallquist de Green River Pictures.

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Darío Boente de gira por Argentina.

El pianista y compositor argentino radicado en Estados Unidos, Darío Boente, trae su jazz fusión desde Nueva York presentándose en formato trío en la Usina del Arte y Boris Club de Buenos Aires; y luego girará por La Plata, San Juan y San Luis con shows y clínicas musicales. 

La música de este virtuoso pianista se destaca por ser una moderna fusión del jazz, las raíces argentinas y un espíritu cosmopolita surgido de sus experiencias en distintos países. 

Boente nació en Buenos Aires, creció en España, se formó musicalmente en Boston, Nueva York y Londres, y desde hace veinte años vive en Nueva York, donde es parte de la escena de Jazz Latino. Su sexto álbum de estudio “Limelight” reúne a importantes músicos de nivel internacional, como Antonio Sánchez (baterista de Pat Metheny, ganador de cinco Premios Grammy y creador de la música de la película “Birdman”); y los argentinos Pablo Aslán en contrabajo, Juan Pablo Jofré en bandoneón y el ganador del Grammy Fernando Otero. 

En sus conciertos de Buenos Aires, Boente formará un trío con los destacados músicos locales Matías Méndez en bajo (L.A. Spinetta) y Diego Alejandro en batería, para interpretar sus composiciones propias incluidas en “Limelight”, adaptaciones acústicas de discos anteriores y versiones de jazz clásico. En esta nueva visita a Argentina, el pianista también ofrecerá un show en la ciudad de San Juan y brindará clínicas musicales en La Plata y en San Luis, donde también actuará en formato dúo.

Boente es un pianista versátil; explora el terreno instrumental con base en el jazz, combinando variados estilos y dando lugar a exquisitas improvisaciones. Sus influencias van de Piazzolla a Chick Corea, de Chopin a Herbie Hancock. A lo largo de su carrera y en diferentes proyectos artísticos ha conjugado los sonidos del jazz, tango, flamenco, funk, dance, groove y hasta la música electrónica. 

Ha actuado en más de 20 países de los cinco continentes, presentando su música en escenarios como el Festival Internacional de Jazz de Buenos Aires; Royal Albert Hall de Londres; Lincoln Center y los prestigiosos clubes de jazz The Blue Note y Birdland de Nueva York. Recientemente, ha compuesto junto a Antonio Sánchez la banda sonora para la película inglesa “The Hippopotamus” a estrenarse este año.

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Shows:

Viernes 2 de junio: Usina del Arte – Ciudad de Buenos Aires
Dario Boente Trio: “The New York / Buenos Aires Connection”
Darío Boente en piano, Matías Méndez en bajo y Diego Alejandro en batería.
20.00 horas – Sala de Cámara - Caffarena 1, La Boca - Entrada gratuita; se entregan hasta 2 por persona desde 2 horas antes de la función.

Martes 6 de junio: Boris Club – Ciudad de Buenos Aires
Darío Boente / Jazz & World Music Experience
Darío Boente en piano, Matías Méndez en bajo y Diego Alejandro en batería.
21.30 horas - Gorriti 5568, Palermo – Entrada: $150.

Viernes 9 de junio: Boliche Don Miranda - Villa Mercedes, San Luis
Dario Boente en concierto
Dario Boente (EE.UU.) en piano, Juampy Juárez (Buenos Aires) en guitarra, Esteban Ramos en guitarra (San Luis)
22.00 horas - Dirección: Calle Angosta y Mitre, Villa Mercedes - Entrada $120

Domingo 11 de junio: Auditorio Juan Victoria - San Juan
Darío Boente en piano y Juampy Juárez en guitarra. Invitado especial: Tito Oliva en piano.
Dirección: 25 de mayo 1215, Ciudad de San Juan - Entrada: $100

Clínicas musicales:

Jueves 1° de junio - La Plata, Buenos Aires. Emu Educación Musical (Diagonal 73 N° 2160, entre 46 y 47).

Sábado 10 de junio - Villa Mercedes, San Luis. Mi espacio de Música e Imagen (Pasaje San Martín 961).

“Breathe”, lo que nos une. El nuevo CD de Carl Borden.

por Pablo Rego | La respiración hecha música. La sensación, el concepto y la creatividad transformados por el multi-premiado compositor, productor e ingeniero de sonido Carl Borden en una secuencia de temas que envuelven al ser en una atmósfera de espacio liberador.

“Breathe” (respirar), el nombre de su segundo álbum con Real Music, habla de la posibilidad de detenerse y tomar consciencia de la propia presencia. La inspiración del artista norteamericano tiene mucho que ver con el mundo femenino, con aquellos aspectos del ser que permiten la pausa, la contemplación, el tiempo para la introspección.

Los nueve temas del recientemente lanzado trabajo discográfico “Breathe”, compuestos, arreglados y ejecutados íntegramente por Borden,  se van desarrollando en un ambiente musical que acompañan perfectamente a la reflexión, la práctica de actividades para el desarrollo de la conciencia y el mundo interior.

Luego de su premiado disco “Echoes of Bliss”, Carl Borden, que además forma parte de diversas asociaciones relacionadas con la industria de la música norteamericana, regresa al disco para explorar sonidos que representen sensaciones, sentimientos, estados profundos.

“Breathe” recorre con calma y a un ritmo largo y fluido, un amplio espectro de sonidos que van desenvolviéndose como un arroyo que discurre por entre las piedras hasta llegar a un mar que va volviéndose cada vez más profundo.  Escuchar con atención este bello trabajo es como permanecer en silencio junto al agua que pasa mientras la respiración recuerda la presencia de la vida plena.

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Marcos Cabezaz, nuevo disco y presentación en vivo.

El original marimbista argentino Marcos Cabezaz lanza y presenta “1200 metros” (PAI Records), su primer disco solista. Un aporte único y excepcional a la música que será presentado en la Usina del Arte de Buenos Aires el próximo 21 de mayo con entrada gratuita.

Marcos Cabezaz es un explorador de la música y de la marimba. Lleva años recorriendo armónica y melódicamente las posibilidades de interpretación de este particular instrumento, creando un estilo propio que puede abrir puertas entre la realidad y otros  mundos invisibles.

“1200metros” es una muy buena oportunidad para escuchar una propuesta particular, diferente, como una huella dactilar hecha música. La formación de Cabezaz y su camino de exploración de años están plasmados en este disco que expresa la sencillez y profundidad de la experiencia mediante la magia de la vibración sonora buscada con mucho tino y fruición.

“1200 metros” contiene una selección de 10 piezas para marimba en la que conviven ritmos rioplatenses y del folclore rural argentino con elementos que provienen de la música académica y el jazz. Incluye cuatro temas que desarrollan la técnica de seis baquetas, en una búsqueda por ampliar las posibilidades armónicas del instrumento.

Todos los temas del disco son compuestos y ejecutados por Cabezaz con marimba “casi sola” a 4 y 6 baquetas, así como vibráfono, glockenspiel, kalimba, bombo legüero, caja, semillas, tam tam, cuencos tibetanos y triángulo.

“1200metros” será presentado en la Ciudad de Buenos Aires, el domingo 21 de mayo a las 19 hs. en la sala de Cámara de la Usina del Arte, Cafarena 1, esquina Av. Pedro de Mendoza, La Boca. Entrada gratuita (se retiran hasta 2 localidades p/persona 2 horas antes de cada espectáculo en el puesto de Informes de la Usina) con  Juan Carlos “Mono” Fontana en teclados, Nora Sarmoria en piano, Facundo Ferreira en percusión y Yamila Bavio en saxos como invitados.

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Nuevo disco de música de raíz desde Dublin.

por Pablo Rego | La banda de música de raíz con sede en Dublin, I Draw Slow lanza su muy esperado nuevo álbum, “Turn your face to the sun” a través del sello de Nashville, Compass Records.

Una combinación de potentes y pegadizas canciones, actuaciones exuberantes y una pasión por la tradición se unen en este álbum para crear una propuesta más cohesiva que las presentadas en sus trabajos anteriores. Con el liderazgo de los hermanos y compositores Dave (guitarra / voces) y Louise (voces) Holden, I Draw Slow hace coexistir el pasado y el presente con melodías originales que se inspiran en lo mejor de la música folclórica irlandesa y americana.

Gracias al coherente desarrollo de sus propuestas musicales, I Daw Slow ha ido ganando seguidores en Irlanda y Estados Unidos, siendo conocido por algunos de sus éxitos y por la invitación y participación en diferentes renombrados festivales de música de raíz.

 A medida que fueron girando y la respuesta de la prensa fue siendo más positiva, la banda decidió capitalizar el crecimiento del apoyo de sus fans, lo que los llevó a seguir creciendo y lanzar su nuevo álbum “Turn your face to the sun”, su proyecto más ambicioso hasta la fecha con un sonido más expansivo y una paleta de sonidos más rica.

La banda de Dublin aporta, desde su estructura y con sus canciones, un sonido que se ajusta a los tiempos actuales, una voz moderna en línea con la evolución del estilo de los cantantes del género. Las producciones del ambiente creado para los temas, de los clips y de las presentaciones en directo van en la cresta de la ola del proceso que están haciendo las bandas contemporáneas que se inspiran en los clásicos y renuevan el género de la música de raíz.

I Draw Slow es una banda de cinco integrantes compuesto por voces, guitarra, violín, banjo y contrabajo. Los hermanos Holden,  Dave y Louise, son apoyados por el violinista Adrian Hart, Colin Derham, que toca el banjo, y el contrabajista Konrad Liddy. El quinteto utiliza cuerdas y voces para crear una propuesta dinámica que va creciendo año a año, disco a disco, dentro del contexto de la “american/appalachian music” y canciones irlandesas.

“Turn yourface to de sun” ya está disponible en Estados Unidos y a través de los sitios de descarga online y el 12 de mayo estará disponible en las tiendas de todo el mundo.

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El nuevo disco de Nathan Speir, buena música para una buena existencia.

por Pablo Rego | “Part of a kindly plan”, el noveno disco del completo artista Nathan Speir es un aporte personal a la buena vibración humana a través de la música. Con un estilo intimista y envolviendo sus temas en un ambiente de armonía, el músico norteamericano expresa su filosofía de integración sin limitaciones en las formas.

Como parte de su camino de experimentación y eclecticismo, en el que la música de Speir fuera catalogada como “ambient chamber music”, “acoustic-ambient”, “piano-oriented”, “new age”, o “avant-garde”, “Part of a kindly plan” (Neptic Music) suma un paso más a ese camino, en esta oportunidad, trabajando con una gran cantidad de instrumentos acústicos como  piano, guitarras de cuerdas de acero y nylon, flauta de madera, violonchelo, armónica, palo de lluvia y cuencos, integrando a ello, en un par de temas y para lograr volumen en su música, sonidos sintetizados.

En su proceso de formación Nathan Speir asistió a la Universidad de Palm Beach Atlantic en Florida y obtuvo su licenciatura en Teoría y Composición Musical. Después de eso, Speir, que ahora vive en Carolina del Norte, comenzó a grabar activamente su propia música original y lanzó una impresionante serie de álbumes y singles que incluyen grabaciones que van desde el piano a solos sintetizados, así como una combinación de los dos tipos de teclado, a veces complementado con otros instrumentos como flauta nativa americana, guitarras y violonchelo, además de haber grabado arreglos alternativos de algunas de sus composiciones.

La inspiración musical de Speir surge de una amplia variedad de fuentes incluyendo el clásico moderno, el jazz, la new age, compositores minimalistas y la música bizantina sagrada.

“Part of akindly plan” es un disco de música apacible, con un ritmo conectado con el corazón, que explora el interior del ser humano y su comunicación con un mundo armonioso. Las diferentes pistas del nuevo disco de Nathan Speir proponen una conexión con lo acústico, desde una estética agradable y dentro de un clima relacionado con lo sagrado de la existencia.

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Después de años, Dulce Pontes vuelve al disco con “Peregrinação”

La cantante, instrumentista, compositora, arreglista y productora portuguesa regresa al disco con un proyecto solista,  después de años de haber editado su último trabajo. Esta vez con un lanzamiento conformado por dos CDs de once temas cada uno en los que, además de su emblemático Fado, recorre varios diferentes géneros musicales.

En este recorrido o “Peregrinação” (Peregrinaje) (Ondeia Musica), Dulce Pontes realiza un viaje a las profundidades del ser, explorando sensibilidades, emociones, experiencias personales y dejando salir el arte hecho música para su representación.

Este trabajo conceptual está dividido en dos discos: “Nudez” que está completamente cantado en Portugués y “Puertos de abrigos”, cantado casi totalmente en Español, salvo dos temas: uno en Galaico-Portugués y el otro en Inglés.

Dulce Pontes es una artista completa y con mucha identidad. Su sensibilidad la lleva a transitar el mundo de la música a su tiempo, creando desde su magnífica voz y rodeada siempre de grandes músicos, el vehículo sonoro que le da vida, la lleva a explorar sus raíces y le permite renovar su conexión con la tierra y la cultura del mundo para seguir creando con frescura y mucha potencia.

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