miércoles, 28 de septiembre de 2016

Fresco, profundo y personal, el nuevo álbum de Melina Moguilevsky.



por Pablo Rego | “Mudar”, el segundo trabajo de la cantautora argentina Melina Moguilevsky, es un rico puñado de canciones con identidad propia que invita a conocer la expresión de una artista que es atravesada por su cultura y se expresa con una voz auténtica y personal, por lo que dice y por las formas que utiliza.

Las canciones salen del ser, de lo profundo, de la inquietud particular y del propio punto de vista acerca de cuestiones de la existencia. Con un estilo moderno y contemporáneo de expresar y de cantar, poniendo el acento en el movimiento de permanente transformación del mundo, del universo, de la vida, Melina Moguilevsky va creando en “Mudar” un clima al que se entra de apoco, andando por un camino que tiene magia, arte y el poder de la mujer capaz de revolucionar un puñado de tierra o de serenar una tormenta.

Detrás de la interpretación, la composición y los arreglos se percibe un minucioso y atento  trabajo en pos de conseguir climas y efectos, por momentos crudos y paisajísticos y de a ratos dramáticos o escenográficos. La estética de los temas es rica y variada, con estructuras armónicas diversas que se mezclan en sonidos reconocibles de jazz, de folklore latinoamericano, de una música teatral clásica, viajando también por un pop o un soft-rock progresivo. El clima de las canciones muta, de un estado a otro, suben en intensidad y se vuelven suave susurro.

Mudar” posee una fuerte presencia de los instrumentos que crean una interesante trama en primer plano creada a partir de los arreglos de las trece composiciones de Melina Moguilevsky que utiliza su voz como la única fuente que dice para pasar a ser un instrumento más, recorriendo un amplio rango cromático. Junto a Moguilevsky aparece un muy bien ensamblado grupo de músicos integrado por Tomás Fares en piano y voz, Lucio Balduini en guitarra, Ezequiel Dutil en contrabajo, Martín Rur en vientos y Mario Gusso en batería y percusión dejando cada uno su impronta destacada en los diferentes temas.


"Mudar" es un disco con variedad de matices, para descubrir, con canciones llenas de imágenes que describen el interior humano y una fusión de estilos desde una mirada particular.

©Pablo Rego

jueves, 15 de septiembre de 2016

Magia y fantasía en la voz de Rebekah Eden.


Rowing in Eden” es el nuevo disco de Rebekah Eden, una cantautora de raíz clásica que despliega su experimentada y potente voz a través de obras creadas con un sonido instrumental complejo y lleno de matices, con letras de grandes poetas y temas propios inspirados en las historias de J.R.R. Tolkien.

El estilo de fusión que propone Eden tiene un aspecto que se relaciona con la New Age, siguiendo caminos abiertos por artistas como Loreena McKennitt o Enya. Al mismo tiempo, los arreglos, la relación con la orquesta y la manera de interpretar tienen todo  que ver con una arte escénico propio de la ópera o la música de películas.

Rowing in Eden” es  un viaje mágico a través de reinos encantados, una aventura mística llena de cuentos para niños de todas las edades, un portal a un mundo de realismo fantástico y la búsqueda sagrada del cielo en la tierra.

Cada pista es una puesta en escena que Rebekah Eden, de origen norteamericano, que nació y creció en Tailandia y se formó entre Alemania y Estados Unidos, sabe utilizar luego de un largo tiempo interpretando a los grandes maestros de la ópera, cantando oratorios, arias, música sacra, actuando en castillos e iglesias europeos, cantando en latín, italiano, francés y alemán. A lo largo del  álbum esta artista utiliza todos esos recursos y su sólida formación académica para crear sus propias historias.

Los temas de “Rowingin Eden” cuentan con poemas originales en inglés de Emily Dickinson, William Butler Yeats y Arthur Earl Jones y letras de la propia Eden inspiradas en “El Hobbit” y “El Señor de los anillos” de J.R.R. Tolkien y “Las crónicas de Narnia“ de C.S. Lewis. Eden también interpreta, en forma de balada, la famosa melodía de Led ZeppelinRamble On” (de Robert Plant y Jimmy Page) que también contiene imágenes de “El señor de los anillos

En lo que se refiere especialmente a la música del álbum,  Rebekah Eden demuestra sus raíces musicales clásicas utilizando la Capellen Orchestra de la República Checa conducida por Peter Pololanik en cinco de los doce temas; a lo que se suman arreglos de cuerda sobre otros tres temas y un “coro virtual” (que suena como un coro grupal en una catedral medieval) en la última pista.

Además de los clásicos instrumentos orquestales, entre los que destacan violines, violas y violonchelos, la grabación también cuenta con una amplia variedad de otros instrumentos incluyendo el arpa, la flauta, la cítara, piano, órgano, teclados, pedal steel guitar, guitarras acústicas, guitarras eléctricas, bajo, batería y percusión, flautas celtas, arpa, flauta irlandesa (tin whistle) y uilleann (gaita irlandesa) que dan un aire a islas celtas-británicas a algunas pistas.

Rowing in Eden” es un disco que incluye muchos matices diversos, alto nivel en sus composiciones, interesantes elementos culturales clásicos y contemporáneos, maestría musical y la trabajada voz de una gran y completa artista, dentro de un clima que resalta lo místico y lo mágico como tema central de la obra.

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©Pablo Rego

viernes, 2 de septiembre de 2016

La innovadora del banjo Alison Brown realiza un video 360º de “What´s going on?” junto a Keb’ Mo’.


por Pablo Rego | Además de haber revolucionado el mundo del banjo dentro del bluegrass, Alison Brown es reconocida como una mujer emprendedora e innovadora, términos que se afirman en la presentación de este video 360º tomado durante las sesiones de grabación en los estudios Compass Sound, sede de la compañía discográfica de la que fue cofundadora  en 1996 en Nashville, EE.UU.

La realización de su más reciente álbum “The song of the banjo” (2015) brindó la posibilidad de volver a imaginar canciones del pop como “Time after time” y “Dance with me”, con invitados famosos como Colin Hay, las Indigo Girls y Steve Gadd, así como Jake Shimabukuro en una versión totalmente inesperada de “Feels so good” realizada originalmente por Chuck Mangione. Y ahora se presenta lanzando este video junto a Keb’ Mo’ en el que puede recorrerse, mientras se escucha “What´s going on?”, todo el interior del estudio de grabación en un giro total de 360º    

El trabajo de formación, la maestría interpretativa, el estilo único en la ejecución del banjo, la libertad creativa y la riqueza estilística que Alison Brown ha aportado durante años al mundo del bluegrass, se manifiesta en toda su plenitud en el solo de banjo del el minuto 3:14 de este video.


Según Alison BrownWhat´s going on?” es una canción sagrada, casi intocable, que vale la pena relanzar dados los acontecimientos que están teniendo lugar en el mundo en el presente. Keb’ Mo’ estuvo totalmente de acuerdo en poner su voz para, junto con el banjo, darle nueva vida a este clásico y seguir nutriendo la cultura y la música de raíz de su país.

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viernes, 26 de agosto de 2016

“Corazón Radar”, canciones para conectar.


por Pablo Rego | El nuevo álbum de la cantante, compositora, productora, investigadora y docente argentina Macarena Robledo es una obra cuyo concepto está basado en canciones que fusionan el Jazz con otros ritmos del mundo y una lírica expresionista sobre la filosofía de la vida y el autoconocimiento.

Notablemente entrenada, la voz de Macarena Robledo es el fuerte de su trabajo. Desde su gran experiencia como cantante de Jazz y estudiosa de técnicas expresivas a través de las cuales poder transmitir con fuerza y transparencia las emociones a través de la voz, “Corazón Radar es una fuente de canciones de autora envueltas en la magia de una música con identidad propia.

La experiencia que ha recogido Robledo en sus viajes y actuaciones por el mundo está impresa en sus canciones y en el sonido que busca y comunica. Como un instrumento más, su voz armoniza con el buen trío de piano y teclados ( Álvaro Torres), contrabajo y bajo eléctrico (Pablo Motta) y percusión y batería (Mariano Tiki Cantero) El disco suena a jazz y a soul, pero establece interesantes puentes con el folklore latinoamericano (zamba, candombe, landó o chacarera), baladas urbanas, el funk y el gospel.

CorazónRadar” es el tercer disco de estudio de Macarena Robledo, un paso más en su carrera y una señal del camino que ha emprendido y continúa transitando. Una propuesta donde una artista particular deja su huella para recorrer el mundo a través de sus canciones con sensibilidad y consciencia.

Macarena Robledo 

Cuenta con amplia trayectoria en el circuito de la canción, World music y jazz en Argentina y Europa, con presentaciones en clubs y festivales de Buenos Aires, el interior de Argentina y ciudades del mundo como Frankfurt, Barcelona, Madrid, Ámsterdam, Stuttgart, Almada (Portugal) y Tánger (Marruecos), entre otras.

Como solista, ha editado los discos “La Búsqueda” (2009), “InstrumentoVivo” (2014), el proyecto multimedia virtual "Viaje" (2011) y Corazón Radar (2016). Es discípula del aclamado investigador científico Rabine en Alemania e investiga el potencial de la voz como camino de autoconocimiento y de estímulo del desarrollo emocional-espiritual a nivel colectivo.

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©Pablo Rego

miércoles, 17 de agosto de 2016

Kimberly Haynes, despertando consciencia a través de la música.


por Pablo Rego | “Awaken me” (despertarme) es el nombre del álbum debut de esta cantautora de New Age nacida en California que utiliza la música como forma de sanación, invitando a descubrir un espacio sagrado y profundo del corazón, en el ambiente de la New Age, World-fusion, Folk y Pop liviano.

Kimberly Haynes es una mujer consciente producto de este tiempo, conectada con los conceptos universales de la espiritualidad y en posesión de una hermosa y potente voz capaz de reflejar a su consciencia despierta y la conexión con los valores relacionados con la Tierra, con la sanación, la compasión y la elevación espiritual.

Además de las canciones devocionales u oraciones en forma de canción, en las que Kimberly demuestra su versatilidad y experiencia en diversos campos de la canción y de la música, la presencia y amplia intervención del consagrado productor independiente y multi-instrumentista David Vito Gregoli en el proceso de “Awaken me” aporta una amplia gama de instrumentos como guitarras (acústicas con cuerdas de acero y de nylon, eléctrica, de 6 y 12 cuerdas), el charango de América del Sur, bajo, mandolina, cítara, banjo, piano (acústico y eléctrico), sintetizador, udu, batería, percusión, campanas, flautas (nativa americana y otras), gopichand hindú y kalimba. Haynes añade, además, coros, panderos y percusión.

En su búsqueda personal, Kimberly Haynes se conectó a temprana edad con la percepción del desarrollo de la consciencia y llevó consigo ese llamado relacionándose con aspectos culturales y rituales de diversa índole. Su apertura le permitió y permite formar parte de diversas comunidades realizando rituales de sanación en los que utiliza la voz como puente para su práctica.

Además de su exploración y la realización del estudio y la práctica académica en el mundo del Jazz, la improvisación y la composición, Haynes comenzó hace 15 años el intenso estudio de la música sagrada de todo el mundo. Simultáneamente, completó cinco años de aprendizaje de sonidos sanadores mientras descubría el mundo de las prácticas chamánicas de Perú y las ceremonias de su realización. Es a través de esta disciplina, con la que pasó cinco años en su propio proceso de curación profunda, que aprendió a usar su voz junto con instrumentos sagrados, con la intención de facilitar la curación para los demás. Este poderoso trabajo dio lugar al inicio de ejercicios privados de múltiples facetas, que combinan clases de canto con las prácticas chamánicas y sesiones privadas de sanación.

Awaken me” (despertarme), subtitulado "canciones desde el corazón de una buscadora" es un viaje musical de descubrimiento, de sanación, de crecimiento personal y de devoción en un clima de belleza acústica, variedad rítmica y riqueza cromática e  instrumental.

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martes, 16 de agosto de 2016

Guillermo Zarba, “Los tiempos del agua”


por Pablo Rego | El más reciente trabajo del gran pianista y compositor argentino es una obra conceptual poético-musical presentada en CD y DVD editados por Pretal, que tiene como eje inspirador y temático el río y su contenido, el agua. Los temas compuestos y arreglados por Zarba van describiendo diferentes realidades del agua, de su fluir, de la vida que lleva, a través de la música y la palabra, entre el expresionismo puro del piano, la poesía hablada o el folklore instrumental.

Guillermo Zarba es un músico consagrado, de sólida formación académica y con más de cuarenta años de experiencia con la música. Los trabajos realizados por este artista nacido en la provincia de Entre Ríos, tienen siempre la profundidad y el puntillismo del compositor que elije con celo cada nota y la sensibilidad del poeta para expresar con el ojo del corazón.

El agua atraviesa el ambiente natural de la tierra de la que Zarba es oriundo. Ríos de grandes cauces llevan en su discurrir más que agua, pero en esencia, es el fluido lo que los conforma. El artista retrata en cada pequeño movimiento que configura cada pista del disco, a través de la música o la poesía, el universo que conforma el agua, que vive en el agua y en su entorno.

En “Los tiempos del agua”, van fluyendo varios y variados ritmos del folklore, con particulares arreglos capaces de modular y manifestar la visión del hombre. Poesías, habladas o cantadas,  que describen, como sólo la palabra puede hacer, la recreación del mundo inspirado.

La grabación del disco contó con Guillermo Zarba en composición, piano, arreglos y voz en relatos, y la participación de prestigiosos músicos como Mauricio Marcelli en violín y dirección artística, Hugo Romero y Claudio Ceccoli en guitarras, María Silva y Marino Frezetti en voces, José Bulos en piano, Ariel Cardoso en contrabajo, Daniel Ruggiero y Gustavo Reynoso en bandoneones y Marcelo García en percusión.


Pianista, compositor y arreglador. Comenzó su actividad artística hace más de cuarenta años como solista en su provincia natal, Entre Ríos, y en pequeños escenarios de Buenos Aires. A partir de su primera grabación en el año 1976, comenzó a actuar con formaciones instrumentales. A lo largo de su carrera se ha presentado en diversos escenarios de Argentina y realizado giras en el exterior. Grabó y compartió escenario con artistas de alto nivel musical y gran prestigio internacional. Ha hecho arreglos de composiciones de Carlos Guastavino, Eduardo Falú, Atahualpa Yupanqui, Astor Piazzolla y Gustavo “Cuchi” Leguizamón.

En el año 2010 presentó sus composiciones "Libaciones" y algunos movimientos de "LosTiempos del Agua" en el Teatro Coliseo de Buenos Aires con interpretación de la  Orquesta Sinfónica del Río de La Plata y la dirección de Lucía Zicos. En la actualidad se encuentra participando de diversos proyectos, entre ellos, organizando la puesta de “Los Tiempos del Agua, gestionando Workshops y clínicas con su participación en el piano en calidad de solista y exhibición del Dvd en las ciudades de San Pablo y Porto Alegre, Brasil, con las Direcciones de Cultura de Basavilbaso y Gualeguaychú, Entre Ríos y en Roma y Vicenza, Italia.

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martes, 2 de agosto de 2016

Ciro Hurtado, nuevo CD de la raíz a la “Selva”


por Pablo Rego | El recientemente publicado álbum del guitarrista peruano residente en California, Ciro Hurtado, es un recorrido que se origina en la música folclórica de su región natal y se fusiona con ritmos y sonidos del mundo.

Selva”, desde su nombre, determina un punto en el mundo desde donde surge el universo imaginario de Hurtado. El lugar de origen de este artista, un pequeño pueblo distante quinientos kilómetros de la capital peruana que durante su infancia llenó los oídos y el corazón de música local y, cuando hubo luz eléctrica, de la música del mundo que llegaba a él a través de una radio de onda corta.

Trasladado a EE.UU. a la edad de veinte años, se abrió un mundo de sonidos y culturas ante él. Ciro Hurtado toma esa variedad de ritmos y géneros, muchos latinos y otros de la India o África, para crear una música personal, con un clima agradable, intenso y profundo a la vez, lleno de cromatismos y siempre elementos característicos de un folclore inspirado en las montañas andinas o en la selva amazónica.

A través de las pistas “Selva” va mostrando, como pequeñas perlas, diferentes colores musicales, canciones en Español, temas que describen realidades culturales del mundo o simples vivencias del corazón. La destacadísima guitarra acústica de Hurtado se mezcla con el charango o la guitarra eléctrica, o la  o fusión, en más de un tema, de los instrumentos con la encantadora voz de su esposa Cindy Harding, que además de cantar ejecuta la quena, zampoñas y el requinto.

Selva” es el noveno disco de estudio que CiroHurtado lanza bajo su propio nombre. Además, ha participado como solista de diferentes ensambles y es integrante de la banda “Huayucaltia” que cuenta con miembros de Argentina, Perú, Colombia, México y Estados Unidos, agrupación con la cual experimenta ritmos latinos y con la que ha realizado la tarea de coproductor de sus siete discos.

Selva”  es un trabajo que cuenta con una rica variedad de elementos para disfrutar y descubrir, siempre con gran calidad artística, en torno a la guitarra y a la recreación sonora de la viva zona originaria de Hurtado, pero que permite volar mucho más allá de las fronteras, recorriendo el mundo cerca de las raíces de la música de los pueblos.

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martes, 26 de julio de 2016

Cielos celtas, la expresión auténtica de Eamonn Karran.


por Pablo Rego | “Celtic skies” es el tercer álbum de Eamonn Karran, recientemente publicado por Real Music. Es un disco sumergido en la dimensión espiritual de la música celta en el que el pianista, tecladista y compositor de origen irlandés libera su potencial artístico para comunicar su conexión con los aspectos más profundos del Ser.

Amante del piano tradicional y gran experimentador de los teclados y sintetizadores, Karran compone y crea sutiles melodías en piano, además de soportes y texturas sonoras que incluyen sintetizadores, gaita irlandesa, tambores, cuerdas y, destacándose, la voz femenina.

Con una historia de profunda búsqueda personal y ancestral, este completo artista autodidacta, ha explorado diferentes áreas y géneros de la música mientras su vida iba cambiando de apoco. El tiempo y sus experiencias en el mundo material fueron modificando su percepción para acercarlo a la vibración más sutil, hasta conseguir transformar su arte en un puente entre la naturaleza y el hombre, entre el espíritu y la música.

“Celtic skies”, suena a tierra, a bosque, a magia, a la ancestral voz de aquello que se manifiesta ante quien está dispuesto a sintonizar las notas altas de la creación. Las melodías, los arreglos, los instrumentos van recreando diversos paisajes típicos e inconfundibles del universo celta y activando otros nuevos: el sello personal del artista y su expresión única en este tiempo.

“Celtic Skies” es un disco recomendable para los amantes de la música celta y también para aquellos que utilizan la música como puente para liberar la mente y el alma, para la meditación o la calma profunda.

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©Pablo Rego


sábado, 16 de julio de 2016

Ickes y Hensley dúo, una mirada contemporánea sobre la música de raíz "Americana"


The country blues es el segundo trabajo de estudio del dúo, esta vez con Compass Records. Terey Hensley cantante y guitarrista desde los diez años y Rob Ickes,  consagrado y reconocido intérprete de “dobro”, la clásica guitarra resonante, aprovechan la sinergia producida por su interacción con solvencia y contundencia en los once temas del disco.

Su primer trabajo, “The sun goes down”, fue nominado al Grammy como mejor álbum de Bluegrass. El diálogo entre estos dos músicos inquietos, versátiles y conocedores del arte que practican eleva su nivel, aumentando el compromiso con el formato del grupo y con la música que tocan.

Rob Ickes y Terey Hensley, dos jóvenes y a la vez maduros artistas que desde sus orígenes particulares ligados a la música de su país, han terminado por reunirse en Nashville (TN), como un ineludible paso hacia sus destinos, para sumergirse de lleno en el Folk.

The country blues” hace un recorrido por ritmos de la música de raíz Americana, versionando clásicos y aportando algunas composiciones en las que ambos vuelcan sus experiencias personales de años de tocar con grandes artistas de la escena Folk, con sus propias bandas, proyectándose como protectores de un tipo de música, pero con los ojos de este tiempo.

Temas como el clásico de Hank Williams, “May You Never Be Alone” o el poderoso Blues sureño de Sonny Boy Williamson, “One Way Out”; “I Won’t Give Up My Train” de Merle Haggard, “Every where I Go is a Long Way From Home”; “Pray Enough,” tomado de los Wood Brothers y el rock sureño de Charlie Daniels en “Willie Jones”. A esto se le suma el viaje jazzero de gran fuerza instrumental “Biscuits And Gravy” escrito por Ickes, como un tributo al maestro del pedal de acero Buddy Emmons y un guiño a los Grateful Dead en “Friend Of The Devil”

Una gran oportunidad para escuchar música Americana de calidad, con un enfoque contemporáneo pero profundamente ligado a sus raíces.

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jueves, 14 de julio de 2016

“Cosmic Connections Live”, lo nuevo de Deva Premal & Miten con Manose


El nuevo trabajo “Cosmic connections Live, que fue grabado durante la gira mundial 2014-2015 por el popular grupo de world-fusión Deva Premal & Miten with Manose, ofrece la oportunidad de experimentar la trascendente energía de sus conciertos en directo.

Desde sus grabaciones iniciales juntos en los 90s, Deva y Miten han sido considerados pioneros y líderes en el desarrollo de un nuevo estilo de world-fusión music, mezclando mantras ancestrales con elementos contemporáneos, lo que les permitió introducir el poder transformador y sanador de los mantras en el siglo XXI.

Deva y Miten ven a su propia música como una invitación a tomar un descanso de las incesantes turbulencias de nuestros conflictivos días conduciendo al oyente a un espacio de paz interior, harmonía y meditación. Su nuevo trabajo es otro hermoso puente con la conexión cósmica.

El “Cosmic connections Live” comienza con la movilizadora interpretación por parte de Deva del misterioso mantra sin tiempo “OM” (Deva y Miten los llaman “el sí cósmico”)  Una corta versión coral abre la grabación y una mayormente instrumental versión de diez minutos cierra la experiencia dando la oportunidad a la banda completa de brillar instrumentalmente. En medio de eso se desarrolla un viaje encantador a un mundo místico que incluye mantras previamente disfrutados por los fans de las grabaciones en estudio que aquí han sido reversionados y grabados en vivo, incluyendo el mantra “Nam Myoho Renge Kyo”, “Om Kumara” y “Mangalam".

Estos antiguos mantras están incrustados en los paisajes sonoros de fusión Este-Oeste que se elevan con las voces trascendentes mezcladas con notas luminosas del bansuri, cortesía del maestro nepalí Manose. Entre los sanadores e inspiracionales mantras, Miten aporta intimidad y profundidad con sus baladas (“White Cloud White Swan” and “Native Son”) dando equilibrio a la propuesta musical.

Deva toca tanpura y teclados, Miten agrega guitarra y a Manose se lo puede oír tocando la flauta de madera bansuri. Los tres cantan. El trío se une a otros maestros de la música en estos conciertos de colección, como Joby Baker (bajo, percusión y voz) y Spencer Cozens (piano y teclados) que se suman a otros invitados especiales. Además participan de manera destacada público de los conciertos de Budapest, Frankfurt, Edmonton, Bath y Ámsterdam.

Durante sus años juntos, el dúo Deva Premal & Miten, ha presentado su música alrededor del mundo, desde New York hasta Los Ángeles, desde Buenos Aires hasta Río de Janeiro, desde Moscú hasta Kiev y Tel Aviv, desde la prisión de San Quintín a conciertos en halls de toda Europa, proveyendo esos mantras tradicionales trascendiendo todo tipo de culturas y límites religiosos. En los últimos tiempos Manose se suma al dúo aportando el sonido del bansuri de una manera magistral, aportando un ambiente único a las versiones.

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viernes, 8 de julio de 2016

Doolin’, aire fresco dentro de la escena de la música celta.


Doolin'” es el nombre del disco debut de la banda celta homónima originaria de Francia. La nueva propuesta, que aporta frescura dentro del mundo de la música folk y de raíz, es editada por Compass Records.

Los nativos de Toulouse, Doolin', contaron en su disco con el legendario guitarrista irlandés John Doyle como productor logrando así un sonido único, conectado profundamente con la raíz de la música celta tradicional, pero aromatizado de una manera muy interesante con la canción francesa, la música de raíz norteamericana e incluso el hip hop venido desde las calles de París.

La banda, integrada por Nicolas Besse, Wilfried Besse, Guilhem Cavaillé, Jacob Fournel, Josselin Fournel y Sébastien Saunié, viajó a Nashville, Tennessee, EE.UU.,  para grabar el álbum. Las grabaciones fueron hechas en el estudio Legacy, ahora propiedad de Compass Records, donde en su tiempo grabara su música de raíz el movimiento “Outlaw”, que arraigó la música country a finales de 1960s. De todo ello quedó impregnado indudablemente “Doolin’

El sonido de la escena musical que plantea la banda es capturado en el intenso tema " The Road to Gleanntan", el carácter reflexivo en el magnífico "Le Dernier Kouign Amann", el muy bien representados clásico de Jacques Brel, con una melodía evocativa de de acordeón, en "Amsterdam", culminando con la integración audaz de rap y el estilo de la guitarra percusiva de John Doyle en "Femine" de Sinéad O'Connor.

Participaron como invitados especiales Jerry Douglas (Dobro), John Doyle (guitarra, bouzouki), Alison Brown (banjo) y Kenny Malone (percusión) que tuvieron resultados estelares en destacadas pistas que incluyen una adaptación del clásico de Steve Earle "Galway Girl" y de Bob Dylan "Balad of Hollis Brown"

Doolin’ abarca todo el abanico posible de la canción moderna arropado por la atmósfera de la música celta, creando así una propuesta musical actual, con excelente técnica de ejecución instrumental, letras en Inglés y Francés y un aire evocativo que modera los oídos y el alma.

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miércoles, 29 de junio de 2016

Música de flauta hindú para la paz interior.


por Pablo Rego | Rajendra Teredesai es un legítimo heredero de la manera clásica de interpretar bansuri (flauta de bambú tradicional hindú). En su nuevo CD, “Moksha” (Real Music), interpreta seis ragas de la música ancestral atesorada en los antiguos Vedas de la India, ideales para la acompañar la práctica de actividades introspectivas.

El sonido del bansuri, interpretado por este auténtico discípulo de PadmavIbhushan Pandit Hariprasad Chaurasia (uno de los maestros de la flauta mundialmente más destacados de todos los tiempos), es una garantía de percepción de una manera correcta de interpretar la música tradicional que puede acompañar en el camino de la búsqueda interior.

Rajendra Teredesai ha seleccionado los seis ragas que componen “Moksha” inspirado en los diferentes momentos del día en los que, el buscador del mundo interior, va desarrollando su práctica espiritual siguiendo unas acciones de purificación cotidianas.
Diferentes ragas para diferentes rituales de distintos momentos del día son interpretados con una maestría y sapiencia incuestionables, creando ambientes de calma en los que es posible y natural mantener un estado meditativo.

El sonido del bansuri, permanente en todo el desarrollo del CD, es acompañado en ocasiones por tanpura (instrumento de cuerda tradicional que se usa para crear vibraciones constantes), algunas campanas o el canto del “OM”.

Moksha es el estado espiritual más elevado alcanzado por un yogui o meditador, en el que puede alcanzarse la realización del samsara, interrumpiendo así el ciclo de las reencarnaciones.   Desde la sabiduría sagrada de los Vedas emerge la conexión mística entre la música y el alma. El desarrollo de este arte como un camino espiritual es considerado uno de los caminos para la búsqueda de moksha.

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viernes, 3 de junio de 2016

Relanzamiento de “The visit” en vinilo al cumplirse su 25º aniversario.


El mítico álbum de Loreena McKennit será relanzado en vinilo oficialmente el día 24 de junio. El cuarto trabajo de su rica carrera discográfica se publicará en una edición limitada de 180g., que incluye un cupón para la descarga en digital y ya puede ser pre-comprado a través de las tiendas online.

En “The visit”, disco ganador del premio Juno al mejor “Álbum de raíz/tradicional” y que vendiera un millón y medio de copias alrededor del mundo, la artista canadiense plasmó con gran maestría su estilo maduro que fusiona la música de raíz celta, con sonidos de la world music, mezclando canciones tradicionales y modernas de manera natural, con el sonido inconfundible su exuberante voz y el arpa celta.

Con los años, la música de McKennit se ha vuelto una gran referencia en el mundo de la música espiritual gracias a los climas que esta versátil artista es capaz de crear. El misterio de las entidades sutiles de los bosques celtas, el universo místico de la cultura ancestral y la sensibilidad de su inconfundible estilo han creado un sonido único capaz de expresar mucho más que canciones.

The visit”, originalmente lanzado en 1991, es el disco en el que Loreena McKennit dio un salto en las dimensiones de la producción artística y en los arreglos de sus temas. Al cumplirse los veinticinco años de su lanzamiento original, ya se puede pre-comprar la edición limitada de colección en vinilo.   

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miércoles, 1 de junio de 2016

“Desembarco”, la expresión de un arte sin tiempo.


Julián Polito es un artista complejo, que explora la música como un medio en el que la matemática y la estética del universo se deconstruyen para reunirse en un nuevo modelo de espacio-tiempo, sonando a sensible folclore y, a la vez, a antigua lejanía.

El universo conceptual de este artista argentino va tomando forma conforme el tiempo talla su camino de experiencias y vivencias con la música, la filosofía, las ciencias y el arte. Y ese universo está grabado en su trabajo como músico.

En  “Desembarco”, Julián Polito explora la relación entre el folclore argentino con la “música del Renacimiento español llegada a América de la mano de los conquistadores y la música del barroco italiano introducida por los jesuitas como parte de su programa de evangelización”. Su propuesta musical relaciona en un mismo momento las estructuras estéticas de la música antigua con los instrumentos del folclore contemporáneo y agrega la viola da gamba, que ejecuta desde hace más de una década, como un vehículo que cierra el círculo de los  tiempos.

El camino de exploración de la raíz de la música folclórica que Polito comenzara en su primer trabajo, Viejo Nuevo Mundo”, continúa en “Desembarco” junto a “Los Lirios del Campo”, agrupación conformada por Juan Casabellas en voz, guitarra y bajo, Emilio Cervini en guitarra criolla y bichito cordobés, Pablo Favazza en percusión, Javiera González en viola y violín, Laura Vázquez en acordeón y coros y Juan Valverde en flauta traversa, más Polito en viola da gamba y bajo.

La propuesta de Julián Polito, su manera de abordarla, la interpretación de la viola da gamba, forman parte de su ser que al mismo tiempo incluye su experiencia como artista plástico reconocido, sus estudios como licenciado en matemática aplicada y la filosofía que utiliza desde su gran conocimiento en la materia.

Además de los artistas mencionados, en “Desembarco” Nadia Szachniuk canta una vidala de Peteco Carabajal acompañada por un grupo de violas da gamba y el “sarangi” (instrumento hindú de cuerda frotada), ejecutado por Alejo Nobili; Osvaldo Bayer recita un poema latino del siglo I que es luego cantado por Florencia Bernales; Palo Pandolfo canta una tonada peruana del siglo XVIII; Laura Peralta canta un texto icónico de la poesía española de Jorge Manrique como si fuera una copla tradicional del Noroeste argentino; Cucuza Castiello le pone su voz a un tema chileno y músicos como Gustavo Gargiulo y los Bajones del Plata hacen desde músicas tradicionales argentinas y canciones de Violeta Parra  hasta música progresiva inglesa de los años ’70.

“Desembarco” será presentado en vivo por Julián Polito y “Los lirios del campo” los días sábados 4 y 18 de junio de 2016 a las 20.30hs. en “Hasta Trilce”, Maza 177, Ciudad de Buenos Aires.

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domingo, 29 de mayo de 2016

Sutileza, sensibilidad y alma en el nuevo disco de Cecilia Zabala


La compositora, guitarrista y cantante argentina presenta su octavo disco titulado “El color del silencio” en el que expresa su madurez artística, volviéndose más esencial y profunda.

Cecilia Zabala lleva veinte años creando y compartiendo su música, grabando en solitario y junto a grandes músicos, enseñando y recorriendo los escenarios del mundo, siempre alineada con su universo interior para que su gran técnica al ejecutar la guitarra y el encanto de su voz sean el reflejo de su expresión genuina y personal.

Dentro de “El color del silencio” puede apreciarse el ensamble cuidado de los instrumentos que van creando climas, sensaciones, emociones. Este nuevo álbum de Zabala ha sido grabado con guitarra española de 7 cuerdas, requinto, guitarra acústica, caja chayera y la voz como un instrumento más, exquisitamente armonizado en las cinco canciones que forman parte de la lista de catorce pistas del disco. Los temas, todos compuestos y arreglados por Cecilia Zabala, han sido  originalmente concebidos para guitarra con elementos del folklore argentino y latinoamericano.

“El color del silencio” será presentado en directo en la Ciudad de Buenos Aires, los días jueves 9, 16 y 23 de junio de 2016 a las 21 hs. en Bebop Club, Moreno 364 subsuelo. Las presentaciones de este nuevo trabajo serán acompañadas por una puesta visual y escenográfica que complementa y enriquece la propuesta artística.

Cecilia Zabala es guitarrista, compositora y cantante. Ha combinado la interpretación y creación de música con la guitarra y la voz a través de toda su carrera, fusionando sensibilidad, expresión, técnica e intuición. En su música se cruzan estilos tan diferentes como el folklore argentino, el lenguaje contemporáneo del siglo XX, el jazz, el tango, y la música brasileña. Luego de veinte años de recorrido artístico ha editado ocho discos con sus propias composiciones y arreglos en diversas formaciones  instrumentales.

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