Cielos celtas, la expresión auténtica de Eamonn Karran.

por Pablo Rego | “Celtic skies” es el tercer álbum de Eamonn Karran, recientemente publicado por Real Music. Es un disco sumergido en la dimensión espiritual de la música celta en el que el pianista, tecladista y compositor de origen irlandés libera su potencial artístico para comunicar su conexión con los aspectos más profundos del Ser.

Amante del piano tradicional y gran experimentador de los teclados y sintetizadores, Karran compone y crea sutiles melodías en piano, además de soportes y texturas sonoras que incluyen sintetizadores, gaita irlandesa, tambores, cuerdas y, destacándose, la voz femenina.

Con una historia de profunda búsqueda personal y ancestral, este completo artista autodidacta, ha explorado diferentes áreas y géneros de la música mientras su vida iba cambiando de apoco. El tiempo y sus experiencias en el mundo material fueron modificando su percepción para acercarlo a la vibración más sutil, hasta conseguir transformar su arte en un puente entre la naturaleza y el hombre, entre el espíritu y la música.

“Celtic skies”, suena a tierra, a bosque, a magia, a la ancestral voz de aquello que se manifiesta ante quien está dispuesto a sintonizar las notas altas de la creación. Las melodías, los arreglos, los instrumentos van recreando diversos paisajes típicos e inconfundibles del universo celta y activando otros nuevos: el sello personal del artista y su expresión única en este tiempo.

“Celtic Skies” es un disco recomendable para los amantes de la música celta y también para aquellos que utilizan la música como puente para liberar la mente y el alma, para la meditación o la calma profunda.

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©Pablo Rego

Ickes y Hensley dúo, una mirada contemporánea sobre la música de raíz "Americana"

“The country blues” es el segundo trabajo de estudio del dúo, esta vez con Compass Records. Terey Hensley cantante y guitarrista desde los diez años y Rob Ickes,  consagrado y reconocido intérprete de “dobro”, la clásica guitarra resonante, aprovechan la sinergia producida por su interacción con solvencia y contundencia en los once temas del disco.

Su primer trabajo, “The sun goes down”, fue nominado al Grammy como mejor álbum de Bluegrass. El diálogo entre estos dos músicos inquietos, versátiles y conocedores del arte que practican eleva su nivel, aumentando el compromiso con el formato del grupo y con la música que tocan.

Rob Ickes y Terey Hensley, dos jóvenes y a la vez maduros artistas que desde sus orígenes particulares ligados a la música de su país, han terminado por reunirse en Nashville (TN), como un ineludible paso hacia sus destinos, para sumergirse de lleno en el Folk.

“The country blues” hace un recorrido por ritmos de la música de raíz Americana, versionando clásicos y aportando algunas composiciones en las que ambos vuelcan sus experiencias personales de años de tocar con grandes artistas de la escena Folk, con sus propias bandas, proyectándose como protectores de un tipo de música, pero con los ojos de este tiempo.

Temas como el clásico de Hank Williams, “May You Never Be Alone” o el poderoso Blues sureño de Sonny Boy Williamson, “One Way Out”; “I Won’t Give Up My Train” de Merle Haggard, “Every where I Go is a Long Way From Home”; “Pray Enough,” tomado de los Wood Brothers y el rock sureño de Charlie Daniels en “Willie Jones”. A esto se le suma el viaje jazzero de gran fuerza instrumental “Biscuits And Gravy” escrito por Ickes, como un tributo al maestro del pedal de acero Buddy Emmons y un guiño a los Grateful Dead en “Friend Of The Devil”

Una gran oportunidad para escuchar música Americana de calidad, con un enfoque contemporáneo pero profundamente ligado a sus raíces.

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“Cosmic Connections Live”, lo nuevo de Deva Premal & Miten con Manose

El nuevo trabajo “Cosmic connections Live”, que fue grabado durante la gira mundial 2014-2015 por el popular grupo de world-fusión Deva Premal & Miten with Manose, ofrece la oportunidad de experimentar la trascendente energía de sus conciertos en directo.

Desde sus grabaciones iniciales juntos en los 90s, Deva y Miten han sido considerados pioneros y líderes en el desarrollo de un nuevo estilo de world-fusión music, mezclando mantras ancestrales con elementos contemporáneos, lo que les permitió introducir el poder transformador y sanador de los mantras en el siglo XXI.

Deva y Miten ven a su propia música como una invitación a tomar un descanso de las incesantes turbulencias de nuestros conflictivos días conduciendo al oyente a un espacio de paz interior, harmonía y meditación. Su nuevo trabajo es otro hermoso puente con la conexión cósmica.

El “Cosmic connections Live” comienza con la movilizadora interpretación por parte de Deva del misterioso mantra sin tiempo “OM” (Deva y Miten los llaman “el sí cósmico”)  Una corta versión coral abre la grabación y una mayormente instrumental versión de diez minutos cierra la experiencia dando la oportunidad a la banda completa de brillar instrumentalmente. En medio de eso se desarrolla un viaje encantador a un mundo místico que incluye mantras previamente disfrutados por los fans de las grabaciones en estudio que aquí han sido reversionados y grabados en vivo, incluyendo el mantra “Nam Myoho Renge Kyo”, “Om Kumara” y “Mangalam".

Estos antiguos mantras están incrustados en los paisajes sonoros de fusión Este-Oeste que se elevan con las voces trascendentes mezcladas con notas luminosas del bansuri, cortesía del maestro nepalí Manose. Entre los sanadores e inspiracionales mantras, Miten aporta intimidad y profundidad con sus baladas (“White Cloud White Swan” and “Native Son”) dando equilibrio a la propuesta musical.

Deva toca tanpura y teclados, Miten agrega guitarra y a Manose se lo puede oír tocando la flauta de madera bansuri. Los tres cantan. El trío se une a otros maestros de la música en estos conciertos de colección, como Joby Baker (bajo, percusión y voz) y Spencer Cozens (piano y teclados) que se suman a otros invitados especiales. Además participan de manera destacada público de los conciertos de Budapest, Frankfurt, Edmonton, Bath y Ámsterdam.

Durante sus años juntos, el dúo Deva Premal & Miten, ha presentado su música alrededor del mundo, desde New York hasta Los Ángeles, desde Buenos Aires hasta Río de Janeiro, desde Moscú hasta Kiev y Tel Aviv, desde la prisión de San Quintín a conciertos en halls de toda Europa, proveyendo esos mantras tradicionales trascendiendo todo tipo de culturas y límites religiosos. En los últimos tiempos Manose se suma al dúo aportando el sonido del bansuri de una manera magistral, aportando un ambiente único a las versiones.

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Doolin’, aire fresco dentro de la escena de la música celta.

“Doolin'” es el nombre del disco debut de la banda celta homónima originaria de Francia. La nueva propuesta, que aporta frescura dentro del mundo de la música folk y de raíz, es editada por Compass Records.

Los nativos de Toulouse, Doolin', contaron en su disco con el legendario guitarrista irlandés John Doyle como productor logrando así un sonido único, conectado profundamente con la raíz de la música celta tradicional, pero aromatizado de una manera muy interesante con la canción francesa, la música de raíz norteamericana e incluso el hip hop venido desde las calles de París.

La banda, integrada por Nicolas Besse, Wilfried Besse, Guilhem Cavaillé, Jacob Fournel, Josselin Fournel y Sébastien Saunié, viajó a Nashville, Tennessee, EE.UU.,  para grabar el álbum. Las grabaciones fueron hechas en el estudio Legacy, ahora propiedad de Compass Records, donde en su tiempo grabara su música de raíz el movimiento “Outlaw”, que arraigó la música country a finales de 1960s. De todo ello quedó impregnado indudablemente “Doolin’”

El sonido de la escena musical que plantea la banda es capturado en el intenso tema " The Road to Gleanntan", el carácter reflexivo en el magnífico "Le Dernier Kouign Amann", el muy bien representados clásico de Jacques Brel, con una melodía evocativa de de acordeón, en "Amsterdam", culminando con la integración audaz de rap y el estilo de la guitarra percusiva de John Doyle en "Femine" de Sinéad O'Connor.

Participaron como invitados especiales Jerry Douglas (Dobro), John Doyle (guitarra, bouzouki), Alison Brown (banjo) y Kenny Malone (percusión) que tuvieron resultados estelares en destacadas pistas que incluyen una adaptación del clásico de Steve Earle "Galway Girl" y de Bob Dylan "Balad of Hollis Brown"

Doolin’ abarca todo el abanico posible de la canción moderna arropado por la atmósfera de la música celta, creando así una propuesta musical actual, con excelente técnica de ejecución instrumental, letras en Inglés y Francés y un aire evocativo que modera los oídos y el alma.

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Música de flauta hindú para la paz interior.

por Pablo Rego | Rajendra Teredesai es un legítimo heredero de la manera clásica de interpretar bansuri (flauta de bambú tradicional hindú). En su nuevo CD, “Moksha” (Real Music), interpreta seis ragas de la música ancestral atesorada en los antiguos Vedas de la India, ideales para la acompañar la práctica de actividades introspectivas.

El sonido del bansuri, interpretado por este auténtico discípulo de PadmavIbhushan Pandit Hariprasad Chaurasia (uno de los maestros de la flauta mundialmente más destacados de todos los tiempos), es una garantía de percepción de una manera correcta de interpretar la música tradicional que puede acompañar en el camino de la búsqueda interior.

Rajendra Teredesai ha seleccionado los seis ragas que componen “Moksha” inspirado en los diferentes momentos del día en los que, el buscador del mundo interior, va desarrollando su práctica espiritual siguiendo unas acciones de purificación cotidianas.

Diferentes ragas para diferentes rituales de distintos momentos del día son interpretados con una maestría y sapiencia incuestionables, creando ambientes de calma en los que es posible y natural mantener un estado meditativo.

El sonido del bansuri, permanente en todo el desarrollo del CD, es acompañado en ocasiones por tanpura (instrumento de cuerda tradicional que se usa para crear vibraciones constantes), algunas campanas o el canto del “OM”.

Moksha es el estado espiritual más elevado alcanzado por un yogui o meditador, en el que puede alcanzarse la realización del samsara, interrumpiendo así el ciclo de las reencarnaciones.   Desde la sabiduría sagrada de los Vedas emerge la conexión mística entre la música y el alma. El desarrollo de este arte como un camino espiritual es considerado uno de los caminos para la búsqueda de moksha.

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Relanzamiento de “The visit” en vinilo al cumplirse su 25º aniversario.

El mítico álbum de Loreena McKennit será relanzado en vinilo oficialmente el día 24 de junio. El cuarto trabajo de su rica carrera discográfica se publicará en una edición limitada de 180g., que incluye un cupón para la descarga en digital y ya puede ser pre-comprado a través de las tiendas online.

En “The visit”, disco ganador del premio Juno al mejor “Álbum de raíz/tradicional” y que vendiera un millón y medio de copias alrededor del mundo, la artista canadiense plasmó con gran maestría su estilo maduro que fusiona la música de raíz celta, con sonidos de la world music, mezclando canciones tradicionales y modernas de manera natural, con el sonido inconfundible su exuberante voz y el arpa celta.

Con los años, la música de McKennit se ha vuelto una gran referencia en el mundo de la música espiritual gracias a los climas que esta versátil artista es capaz de crear. El misterio de las entidades sutiles de los bosques celtas, el universo místico de la cultura ancestral y la sensibilidad de su inconfundible estilo han creado un sonido único capaz de expresar mucho más que canciones.

“The visit”, originalmente lanzado en 1991, es el disco en el que Loreena McKennit dio un salto en las dimensiones de la producción artística y en los arreglos de sus temas. Al cumplirse los veinticinco años de su lanzamiento original, ya se puede pre-comprar la edición limitada de colección en vinilo.   

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“Desembarco”, la expresión de un arte sin tiempo.

Julián Polito es un artista complejo, que explora la música como un medio en el que la matemática y la estética del universo se deconstruyen para reunirse en un nuevo modelo de espacio-tiempo, sonando a sensible folclore y, a la vez, a antigua lejanía.

El universo conceptual de este artista argentino va tomando forma conforme el tiempo talla su camino de experiencias y vivencias con la música, la filosofía, las ciencias y el arte. Y ese universo está grabado en su trabajo como músico.

En  “Desembarco”, Julián Polito explora la relación entre el folclore argentino con la “música del Renacimiento español llegada a América de la mano de los conquistadores y la música del barroco italiano introducida por los jesuitas como parte de su programa de evangelización”. Su propuesta musical relaciona en un mismo momento las estructuras estéticas de la música antigua con los instrumentos del folclore contemporáneo y agrega la viola da gamba, que ejecuta desde hace más de una década, como un vehículo que cierra el círculo de los  tiempos.

El camino de exploración de la raíz de la música folclórica que Polito comenzara en su primer trabajo, “Viejo Nuevo Mundo”, continúa en “Desembarco” junto a “Los Lirios del Campo”, agrupación conformada por Juan Casabellas en voz, guitarra y bajo, Emilio Cervini en guitarra criolla y bichito cordobés, Pablo Favazza en percusión, Javiera González en viola y violín, Laura Vázquez en acordeón y coros y Juan Valverde en flauta traversa, más Polito en viola da gamba y bajo.

La propuesta de Julián Polito, su manera de abordarla, la interpretación de la viola da gamba, forman parte de su ser que al mismo tiempo incluye su experiencia como artista plástico reconocido, sus estudios como licenciado en matemática aplicada y la filosofía que utiliza desde su gran conocimiento en la materia.

Además de los artistas mencionados, en “Desembarco” Nadia Szachniuk canta una vidala de Peteco Carabajal acompañada por un grupo de violas da gamba y el “sarangi” (instrumento hindú de cuerda frotada), ejecutado por Alejo Nobili; Osvaldo Bayer recita un poema latino del siglo I que es luego cantado por Florencia Bernales; Palo Pandolfo canta una tonada peruana del siglo XVIII; Laura Peralta canta un texto icónico de la poesía española de Jorge Manrique como si fuera una copla tradicional del Noroeste argentino; Cucuza Castiello le pone su voz a un tema chileno y músicos como Gustavo Gargiulo y los Bajones del Plata hacen desde músicas tradicionales argentinas y canciones de Violeta Parra  hasta música progresiva inglesa de los años ’70.

“Desembarco” será presentado en vivo por Julián Polito y “Los lirios del campo” los días sábados 4 y 18 de junio de 2016 a las 20.30hs. en “Hasta Trilce”, Maza 177, Ciudad de Buenos Aires.

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Sutileza, sensibilidad y alma en el nuevo disco de Cecilia Zabala

La compositora, guitarrista y cantante argentina presenta su octavo disco titulado “El color del silencio” en el que expresa su madurez artística, volviéndose más esencial y profunda.

Cecilia Zabala lleva veinte años creando y compartiendo su música, grabando en solitario y junto a grandes músicos, enseñando y recorriendo los escenarios del mundo, siempre alineada con su universo interior para que su gran técnica al ejecutar la guitarra y el encanto de su voz sean el reflejo de su expresión genuina y personal.

Dentro de “El color del silencio” puede apreciarse el ensamble cuidado de los instrumentos que van creando climas, sensaciones, emociones. Este nuevo álbum de Zabala ha sido grabado con guitarra española de 7 cuerdas, requinto, guitarra acústica, caja chayera y la voz como un instrumento más, exquisitamente armonizado en las cinco canciones que forman parte de la lista de catorce pistas del disco. Los temas, todos compuestos y arreglados por Cecilia Zabala, han sido  originalmente concebidos para guitarra con elementos del folklore argentino y latinoamericano.

“El color del silencio” será presentado en directo en la Ciudad de Buenos Aires, los días jueves 9, 16 y 23 de junio de 2016 a las 21 hs. en Bebop Club, Moreno 364 subsuelo. Las presentaciones de este nuevo trabajo serán acompañadas por una puesta visual y escenográfica que complementa y enriquece la propuesta artística.

Cecilia Zabala es guitarrista, compositora y cantante. Ha combinado la interpretación y creación de música con la guitarra y la voz a través de toda su carrera, fusionando sensibilidad, expresión, técnica e intuición. En su música se cruzan estilos tan diferentes como el folklore argentino, el lenguaje contemporáneo del siglo XX, el jazz, el tango, y la música brasileña. Luego de veinte años de recorrido artístico ha editado ocho discos con sus propias composiciones y arreglos en diversas formaciones  instrumentales.

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La totalidad hecha música por Gandalf.

por Pablo Rego | “All is One – One is All” es el nombre del nuevo álbum del compositor y multiinstrumentista austríaco Gandalf, quien desde 1981 crea música y da forma al género New Age.

Este artista, que cumple treinta y cinco años con la música, presenta su nuevo trabajo, trigésimo segundo de su carrera y editado por Real Music, con una fuerte presencia del piano, rodeado de una atmósfera que remite a la majestuosidad del paisaje volcánico de la isla de La Palma en Canarias.

Cada tema de este nuevo trabajo es una pequeña pieza que aporta diferentes sensaciones, por sus arreglos, por la combinación de instrumentos acústicos como eje que lleva la melodía, sonando a música clásica, folclórica o étnica y, al mismo tiempo, creando unas atmósferas con sintetizadores que expanden la escucha más allá de las sensaciones de la pura música.

Como artista del mundo que es, este experimentado músico que ha recorrido los cinco continentes  y que interpreta el piano, guitarras, saz (de la familia del laúd), percusión, teclados y sintetizadores,  se ha rodeado de grandes artistas que aportan diferentes toques y emociones al disco, creando variados paisajes sonoros.

En “All is One – One is All” participan como invitados Merike Hilmar (chelo) y su hijo Christian Strobl (percusión); Peter Aschenbrenner (flautas y tambor irlandeses), Karin Leitner  (flautas irlandesas), una pareja de invitados especiales que acompañan a Gandalf desde hace largo tiempo; además de Vasile Marian (duduk (flauta armenia)). El tema cantado titulado “All Is One” ha sido interpretado por la talentosa cantautora polaca Agnès Milewski.

Gandalf menciona especialmente su experiencia en Canarias, destacando su clima único de primavera eterna y la diversidad de sus paisajes. Desde allí convoca al oyente a percibir la isla de La Palma a través de su música.

“All is One – One is All” es un disco para descubrir diferentes aspectos étnicos, clásicos y también espirituales de la música, fusionados de manera magistral por un artista que resulta ser uno de los músicos contemporáneos más destacados de su país.

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Festival de Folklore argentino en California

El próximo día 28 de mayo tendrá lugar el primer “Anual argentine Folklore festival USA”, que se desarrollará en el Phoenix Club de Anaheim, California, EE.UU.

Apadrinado por el actor John Travolta y su mujer Kelly Preston, desde las 4 hasta las 10PM, se presentarán artistas del ámbito de la música, de la danza y la poesía.

Se presentarán durante la jornada de este primer festival, en el rubro “música”, Jorge Felita, Enrique “Quqiue” Coria, Esther Segovia, el grupo “Sin límites”, Los de allá, María Eugenia Díaz, Jorge Carabajal, Gritos del sur y el grupo “Milagro” y en el ámbito de la danza actuarán Ayekan, Tangaucho, Claudio y Elizabeth, Juan Santillán “El diablito”. Además, habrá lugar para la poesía a cargo de Claudio Occhipinti.

El evento es presentado por Proyecto herencia de amor, La casa del Folklore y Villa Roma. Para más información está disponible el e-mail info@proyectoherenciadeamor.org

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"Dehli 2 Dublin" estrena video de su nuevo disco.

La banda canadiense presenta el video de “We’re all Desi”, nombre del tema de su más recientemente álbum homónimo editado por Westwood Recordings. Delhi 2 Dublin o (Delhi to Dublin) es una banda que se inspira en la música de Bollywood hindú de los años ‘70s, fusionando “bass music” con música electrónica occidental contemporánea.

 El video ha sido grabado a principios de este año en Dharavi, un barrio humilde de Bombay, con un equipo local dirigido por el director hindú Cedar Sonigra. La historia creada para este video gira en torno a algunos temas clásicos de Bollywood y sigue la vida de cinco jóvenes que tratan de mantenerse con vida en el clima áspero de las calles del barrio. 

  

Delhi 2 Dublin fusionan música electrónica y acústica, de Oriente y Occidente. Fiel a sus orígenes, la veterana banda arde en un nuevo territorio lírico y sonoro. “We´re all Desi” es una llamada a enfrentar al mundo acelerado contemporáneo con más verdad, más sonrisas y, como dicen ellos, “mucho más bass music”

Gira 2016

La agrupación canadiense anuncia una gira que ocupará, a partir de su primer concierto del día 28 de mayo en Toronto hasta septiembre, cuando, luego de recorrer varias plazas de Estados Unidos y Canadá, culminen su periplo con un concierto el día 4 de ese mes en Portland. La lista complete de conciertos y locaciones está disponible aquí

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“Altered states”, música para emprender un viaje hacia el interior.

por Pablo Rego | La música que Uma Silbey, una pionera de la New Age, propone, en su recientemente lanzado  álbum, sonidos de piano acústico de cola y teclados que resuenan armónicamente perfectos en el oído occidental y una fusión con las armonías intermedias de la música hindú que van aportando diferentes colores y posibilitan la transmisión de un mundo rico en mensajes.

“Altered States”, editado por el sello Airo Audio, es el álbum número diecisiete de su carrera, en el que retrata experiencias conscientes de percepciones no-ordinarias de su vida, recreando a través de la música vivencias que pueden experimentarse en la práctica de yoga, la meditación o la visión extática producto de la que profunda conexión con el entorno.

Uma es un ser espiritual y una artista de larga trayectoria. No puede separarse a la practicante y profesora de técnicas ancestrales relacionadas con el desarrollo espiritual, de la artista formada desde su niñez en música clásica que al descubrirse comenzara a fluir con la creación de sus discos.

Esta artista  es una pionera de la New Age, dentro de la cual ha creado diseños de música para la práctica de yoga, meditación, terapias holísticas o espirituales, desde la creación de su primer álbum en 1981. Con estas artes lleva recorriendo el mundo desde hace más de veinte años, conferenciando, enseñando, liderando talleres y actuando en conciertos.

La gama de actividades que ha introducido Uma Silbey en su experiencia vital va desde el yoga y la meditación, hasta el conocimiento chamánico aborigen o la medicina tibetana. Su formación en música, que fusiona permanentemente con su experiencia en las artes de la espiritualidad, está presente en ella desde los cinco años de edad, cuando comenzó a estudiar piano. Pero, además, con los años, se ha especializado en música y percusión chamánica, en música para yoga y musicoterapia.

La música de Uma tiene detrás un inmenso bagaje de conocimiento y experiencia que hace que los sonidos que ella produce y registra en sus discos o reproduce en sus actuaciones en directo fluyan mágicamente abriendo una puerta a las maneras más sutiles de apreciar la existencia, sintonizando con su energía y dejándose abrazar por sus sonidos.

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Folklore del mundo con aire de mar

por Pablo Rego | Mariana Masetto presenta su cuarto álbum, “Ela e o mar”, imbuida en el clima tropical y natural del Nordeste brasileño, interpretando canciones propias y de artistas del folklore latinoamericano.

La cantante y percusionista argentina juega con la música, de una manera libre, llenando de alegría las canciones, con un aire seductor propio de la abundante energía de la naturaleza con la que se encuentra completamente conectada. Experimenta los sonidos de la percusión, el canto y el cuatro creando piezas rítmicas, con una búsqueda de matices para transmitir con claridad los mensajes de cada canción.

En “Ela e o mar” (ella y el mar), editado por Bumbunita música, la completa artista nacida en Buenos Aires propone una variedad de temas que trascienden las fronteras geográficas para adentrarse de lleno en el mundo de la World Music. Participan como invitados artistas multiculturales de gran calidad como Celsinho Silva de Brasil, Arian Houshmand de origen iraní y Santiago Bedoya de Colombia.

Además de sus temas inspirados en el mágico paisaje de Jericoacoara, Ceará, Brasil, muy cerca de la línea del Ecuador, Mariana Masetto, en su nuevo disco, interpreta temas de grandes artistas latinoamericanos como Violeta Parra de chile, Henry Martínez de Venezuela, Milton Nascimento y Ricardo Silveira de Brasil, Mario Arnedo Gallo,  Antonio Rodriguez Villar y Raúl Carnota de Argentina. Además viaja artísticamente al continente africano incluyendo una canción africana de Collin Walcott, uno de los integrantes de “Codona”, el emblemático grupo de jazz y world music norteamericano de los años ‘80s.

La impronta libre y auténtica de Mariana Masetto fluye por sus cuerdas vocales, potenciado por el trabajo interior de años de práctica de yoga. Su intensidad es fuerza natural que emana a través de su voz, la percusión y su danza, una danza integradora que armoniza el ritmo y el canto.

“Ela e o mar” es el cuarto trabajo discográfico de esta joven artista siempre en crecimiento. Sus anteriores álbumes, “La Bumbunita” (2010), “Soy libre” (2012) y “Mientras viva yo iré cantando” (2014) son testimonios de la propuesta artística y creativa de Masetto. “Soy libre” fue nominado a los premios Carlos Gardel de 2013 como Mejor Álbum Nuevo en la categoría Artista de Folklore de Argentina, y en EE.UU. a los 13Th Independent Music Awards en la categoría World beat. En 2015 su canción “Solcito” recibió la nominación a los 14Th Independent Music Awards en la categoría World beat. 

“Ela e o mar” de Mariana Masetto es la manifestación de la luz surgida de un ser que se realimenta con su propia energía, con el ritual ancestral de la percusión, dejándose llevar por los caminos sutiles y a la vez intensos de su búsqueda personal y transportando al oyente consigo a los paisajes que canta, a los climas que respira, al sonido de su arte.

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Música que hace bien, paisajes sonoros de Marika Takeuchi.

Por Pablo Rego | La pianista japonesa Marika Takeuchi presenta su cuarto CD en el que continúa explorando el impresionismo dentro del neo-clásico, creando unos paisajes repletos de sutileza, minimalismo y sentimiento.

En “Colors in the Diary” la pianista, graduada en el prestigioso Berklee College of Music, presenta una variedad de composiciones propias inspiradas en paisajes naturales, en los colores de las estaciones, en la belleza implícita en la naturaleza que inspira al ser sensible. Este nuevo álbum fue producido por el ganador del Grammy Will Ackerman, y en él se presentan, junto a la pianista, el chelista Eugene Friesen y el violinista de la Boston Symphony Orchestra Si-Jing Huang.

Takeuchi, es compositora, productora, arregladora, copista y educadora especializada en piano. Su primer álbum “Nightdream” (2011) resultó una gran novedad para los fans del neoclásico, new age y musicoterapia.  

A lo largo de su carrea, además de componer para cine y televisión en diferentes partes del mundo, en sus otros tres discos, Marika Takeuchi fue explorando la utilización de diferentes instrumentos para crear climas con los que expresar su arte.

Un par de años después de su bien recibido primer álbum Night Dream, apareció  su segundo trabajo “Impressions” (2013), revolucionando los ámbitos de escucha del neoclásico, un género que se ve ricamente alimentado por esta artista. En ese álbum desarrolló su experiencia compositiva y arreglos agregando a su interpretación del piano, flauta, clarinete, violín, viola y chelo, y en la selección de temas incluyó algunas de sus composiciones para cine, así como música de cámara. Su tercer álbum, “Rain Stories” (2014), introdujo en sus grabaciones  dos instrumentos a la mezcla con los que no había trabajado anteriormente en sus arreglos y composiciones: el oboe y el tradicional erhu (violín chino).

“Colors in the Diary”, el nuevo disco de Marika Takeuchi, crea un clima minimalista e impresionista a la vez, con sonidos simples que dibujan siluetas en las que pueden adivinarse los paisajes que pinta. La descripción sonora propone la contemplación interior desde el exterior, como una manera de completar el cuadro a través de la música, introduciendo la percepción como decodificador estético en el que participan también las almas.

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Nava; moderno, tradicional y con carácter internacional.

Arian Houshmand presenta su nuevo trabajo “Nava” (vocablo farsi que significa melodía), con un fuerte sello de identidad personal, mucha guitarra, composiciones propias, música tradicional persa y balcánica y  arreglos de temas clásicos populares del mundo.

Cuando un artista elige desde sus propias experiencias de vida una lista de temas para grabar un disco, si este artista ha nacido en Suiza, siendo hijo de iraníes, ha crecido entre Costa de Marfil, Dinamarca, Indonesia y Emiratos Árabes, si además vive en su época rodeado de géneros transnacionales como el rock, el jazz o el clásico y a eso le sumamos que es amante de la música de América, hasta el punto de viajar de la del Norte a la del Sur, estudiando, tocando y formándose, para terminar viviendo en Buenos Aires a partir de 2004, el resultado es un álbum único, como “Nava”, el disco debut como solista de Arian Houshmand.

Este artista versátil se expresa ante todo con la guitarra, habiéndose formado en la ejecución de la guitarra clásica y flamenca con grandes maestros. Compone y arregla los temas que elige desde muy adentro del mundo de la música académica y, también, con el fluir que le ha dado su experiencia y formación en la música popular y el jazz.

Como artista del mundo, en su disco “Nava”, éste joven y experimentado multinstrumentista y compositor, va dibujando un mosaico personal en el que deja impresa una huella vital, a través de sus temas propios, alguna canción tradicional iraní o balcánica (abordados con mucho respeto por el sonido y la tradición originales), y arreglos de temas de grandes artistas populares del mundo como Tom Jobín, Stevie Wonder, Silvio Rodríguez,  Charlie Haden, The Beatles o el compositor norteamericano popular y de jazz Hoagy Carmichael.

Arian Houshmand toca, compone y arregla creando, por lo que tanto los temas populares occidentales como los suyos propios y también los tradicionales presentes en éste álbum tienen un sello particular, el suyo.  En “Nava” el artista de raíz iraní toca y crea una rica variedad de sonidos con sus guitarras, su voz, interpretando también setar y santur (tradicionales persas) a los que incorpora de manera cuidada, a través de músicos invitados de diferentes orígenes,  piano, violín, contrabajo, clarinete, daf (tambor persa), tombak (de percusión persa), derbake (de percusión árabe) y dohol (de percusión armenio)

“Nava” es una suma de pequeñas delicatesen musicales que tienen un hilo conductor en la persona del artista que expresa sus vivencias, sus gustos, su tradición y su maestría en la ejecución de la música de manera que al escuchar este recorrido particular de músicas se transitan diferentes estados, los que transmite lúcidamente y claramente Arian Houshmand en cada nota grabada en este nuevo disco.

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