Sutileza, sensibilidad y alma en el nuevo disco de Cecilia Zabala

La compositora, guitarrista y cantante argentina presenta su octavo disco titulado “El color del silencio” en el que expresa su madurez artística, volviéndose más esencial y profunda.

Cecilia Zabala lleva veinte años creando y compartiendo su música, grabando en solitario y junto a grandes músicos, enseñando y recorriendo los escenarios del mundo, siempre alineada con su universo interior para que su gran técnica al ejecutar la guitarra y el encanto de su voz sean el reflejo de su expresión genuina y personal.

Dentro de “El color del silencio” puede apreciarse el ensamble cuidado de los instrumentos que van creando climas, sensaciones, emociones. Este nuevo álbum de Zabala ha sido grabado con guitarra española de 7 cuerdas, requinto, guitarra acústica, caja chayera y la voz como un instrumento más, exquisitamente armonizado en las cinco canciones que forman parte de la lista de catorce pistas del disco. Los temas, todos compuestos y arreglados por Cecilia Zabala, han sido  originalmente concebidos para guitarra con elementos del folklore argentino y latinoamericano.

“El color del silencio” será presentado en directo en la Ciudad de Buenos Aires, los días jueves 9, 16 y 23 de junio de 2016 a las 21 hs. en Bebop Club, Moreno 364 subsuelo. Las presentaciones de este nuevo trabajo serán acompañadas por una puesta visual y escenográfica que complementa y enriquece la propuesta artística.

Cecilia Zabala es guitarrista, compositora y cantante. Ha combinado la interpretación y creación de música con la guitarra y la voz a través de toda su carrera, fusionando sensibilidad, expresión, técnica e intuición. En su música se cruzan estilos tan diferentes como el folklore argentino, el lenguaje contemporáneo del siglo XX, el jazz, el tango, y la música brasileña. Luego de veinte años de recorrido artístico ha editado ocho discos con sus propias composiciones y arreglos en diversas formaciones  instrumentales.

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La totalidad hecha música por Gandalf.

por Pablo Rego | “All is One – One is All” es el nombre del nuevo álbum del compositor y multiinstrumentista austríaco Gandalf, quien desde 1981 crea música y da forma al género New Age.

Este artista, que cumple treinta y cinco años con la música, presenta su nuevo trabajo, trigésimo segundo de su carrera y editado por Real Music, con una fuerte presencia del piano, rodeado de una atmósfera que remite a la majestuosidad del paisaje volcánico de la isla de La Palma en Canarias.

Cada tema de este nuevo trabajo es una pequeña pieza que aporta diferentes sensaciones, por sus arreglos, por la combinación de instrumentos acústicos como eje que lleva la melodía, sonando a música clásica, folclórica o étnica y, al mismo tiempo, creando unas atmósferas con sintetizadores que expanden la escucha más allá de las sensaciones de la pura música.

Como artista del mundo que es, este experimentado músico que ha recorrido los cinco continentes  y que interpreta el piano, guitarras, saz (de la familia del laúd), percusión, teclados y sintetizadores,  se ha rodeado de grandes artistas que aportan diferentes toques y emociones al disco, creando variados paisajes sonoros.

En “All is One – One is All” participan como invitados Merike Hilmar (chelo) y su hijo Christian Strobl (percusión); Peter Aschenbrenner (flautas y tambor irlandeses), Karin Leitner  (flautas irlandesas), una pareja de invitados especiales que acompañan a Gandalf desde hace largo tiempo; además de Vasile Marian (duduk (flauta armenia)). El tema cantado titulado “All Is One” ha sido interpretado por la talentosa cantautora polaca Agnès Milewski.

Gandalf menciona especialmente su experiencia en Canarias, destacando su clima único de primavera eterna y la diversidad de sus paisajes. Desde allí convoca al oyente a percibir la isla de La Palma a través de su música.

“All is One – One is All” es un disco para descubrir diferentes aspectos étnicos, clásicos y también espirituales de la música, fusionados de manera magistral por un artista que resulta ser uno de los músicos contemporáneos más destacados de su país.

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Festival de Folklore argentino en California

El próximo día 28 de mayo tendrá lugar el primer “Anual argentine Folklore festival USA”, que se desarrollará en el Phoenix Club de Anaheim, California, EE.UU.

Apadrinado por el actor John Travolta y su mujer Kelly Preston, desde las 4 hasta las 10PM, se presentarán artistas del ámbito de la música, de la danza y la poesía.

Se presentarán durante la jornada de este primer festival, en el rubro “música”, Jorge Felita, Enrique “Quqiue” Coria, Esther Segovia, el grupo “Sin límites”, Los de allá, María Eugenia Díaz, Jorge Carabajal, Gritos del sur y el grupo “Milagro” y en el ámbito de la danza actuarán Ayekan, Tangaucho, Claudio y Elizabeth, Juan Santillán “El diablito”. Además, habrá lugar para la poesía a cargo de Claudio Occhipinti.

El evento es presentado por Proyecto herencia de amor, La casa del Folklore y Villa Roma. Para más información está disponible el e-mail info@proyectoherenciadeamor.org

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"Dehli 2 Dublin" estrena video de su nuevo disco.

La banda canadiense presenta el video de “We’re all Desi”, nombre del tema de su más recientemente álbum homónimo editado por Westwood Recordings. Delhi 2 Dublin o (Delhi to Dublin) es una banda que se inspira en la música de Bollywood hindú de los años ‘70s, fusionando “bass music” con música electrónica occidental contemporánea.

 El video ha sido grabado a principios de este año en Dharavi, un barrio humilde de Bombay, con un equipo local dirigido por el director hindú Cedar Sonigra. La historia creada para este video gira en torno a algunos temas clásicos de Bollywood y sigue la vida de cinco jóvenes que tratan de mantenerse con vida en el clima áspero de las calles del barrio. 

  

Delhi 2 Dublin fusionan música electrónica y acústica, de Oriente y Occidente. Fiel a sus orígenes, la veterana banda arde en un nuevo territorio lírico y sonoro. “We´re all Desi” es una llamada a enfrentar al mundo acelerado contemporáneo con más verdad, más sonrisas y, como dicen ellos, “mucho más bass music”

Gira 2016

La agrupación canadiense anuncia una gira que ocupará, a partir de su primer concierto del día 28 de mayo en Toronto hasta septiembre, cuando, luego de recorrer varias plazas de Estados Unidos y Canadá, culminen su periplo con un concierto el día 4 de ese mes en Portland. La lista complete de conciertos y locaciones está disponible aquí

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“Altered states”, música para emprender un viaje hacia el interior.

por Pablo Rego | La música que Uma Silbey, una pionera de la New Age, propone, en su recientemente lanzado  álbum, sonidos de piano acústico de cola y teclados que resuenan armónicamente perfectos en el oído occidental y una fusión con las armonías intermedias de la música hindú que van aportando diferentes colores y posibilitan la transmisión de un mundo rico en mensajes.

“Altered States”, editado por el sello Airo Audio, es el álbum número diecisiete de su carrera, en el que retrata experiencias conscientes de percepciones no-ordinarias de su vida, recreando a través de la música vivencias que pueden experimentarse en la práctica de yoga, la meditación o la visión extática producto de la que profunda conexión con el entorno.

Uma es un ser espiritual y una artista de larga trayectoria. No puede separarse a la practicante y profesora de técnicas ancestrales relacionadas con el desarrollo espiritual, de la artista formada desde su niñez en música clásica que al descubrirse comenzara a fluir con la creación de sus discos.

Esta artista  es una pionera de la New Age, dentro de la cual ha creado diseños de música para la práctica de yoga, meditación, terapias holísticas o espirituales, desde la creación de su primer álbum en 1981. Con estas artes lleva recorriendo el mundo desde hace más de veinte años, conferenciando, enseñando, liderando talleres y actuando en conciertos.

La gama de actividades que ha introducido Uma Silbey en su experiencia vital va desde el yoga y la meditación, hasta el conocimiento chamánico aborigen o la medicina tibetana. Su formación en música, que fusiona permanentemente con su experiencia en las artes de la espiritualidad, está presente en ella desde los cinco años de edad, cuando comenzó a estudiar piano. Pero, además, con los años, se ha especializado en música y percusión chamánica, en música para yoga y musicoterapia.

La música de Uma tiene detrás un inmenso bagaje de conocimiento y experiencia que hace que los sonidos que ella produce y registra en sus discos o reproduce en sus actuaciones en directo fluyan mágicamente abriendo una puerta a las maneras más sutiles de apreciar la existencia, sintonizando con su energía y dejándose abrazar por sus sonidos.

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Folklore del mundo con aire de mar

por Pablo Rego | Mariana Masetto presenta su cuarto álbum, “Ela e o mar”, imbuida en el clima tropical y natural del Nordeste brasileño, interpretando canciones propias y de artistas del folklore latinoamericano.

La cantante y percusionista argentina juega con la música, de una manera libre, llenando de alegría las canciones, con un aire seductor propio de la abundante energía de la naturaleza con la que se encuentra completamente conectada. Experimenta los sonidos de la percusión, el canto y el cuatro creando piezas rítmicas, con una búsqueda de matices para transmitir con claridad los mensajes de cada canción.

En “Ela e o mar” (ella y el mar), editado por Bumbunita música, la completa artista nacida en Buenos Aires propone una variedad de temas que trascienden las fronteras geográficas para adentrarse de lleno en el mundo de la World Music. Participan como invitados artistas multiculturales de gran calidad como Celsinho Silva de Brasil, Arian Houshmand de origen iraní y Santiago Bedoya de Colombia.

Además de sus temas inspirados en el mágico paisaje de Jericoacoara, Ceará, Brasil, muy cerca de la línea del Ecuador, Mariana Masetto, en su nuevo disco, interpreta temas de grandes artistas latinoamericanos como Violeta Parra de chile, Henry Martínez de Venezuela, Milton Nascimento y Ricardo Silveira de Brasil, Mario Arnedo Gallo,  Antonio Rodriguez Villar y Raúl Carnota de Argentina. Además viaja artísticamente al continente africano incluyendo una canción africana de Collin Walcott, uno de los integrantes de “Codona”, el emblemático grupo de jazz y world music norteamericano de los años ‘80s.

La impronta libre y auténtica de Mariana Masetto fluye por sus cuerdas vocales, potenciado por el trabajo interior de años de práctica de yoga. Su intensidad es fuerza natural que emana a través de su voz, la percusión y su danza, una danza integradora que armoniza el ritmo y el canto.

“Ela e o mar” es el cuarto trabajo discográfico de esta joven artista siempre en crecimiento. Sus anteriores álbumes, “La Bumbunita” (2010), “Soy libre” (2012) y “Mientras viva yo iré cantando” (2014) son testimonios de la propuesta artística y creativa de Masetto. “Soy libre” fue nominado a los premios Carlos Gardel de 2013 como Mejor Álbum Nuevo en la categoría Artista de Folklore de Argentina, y en EE.UU. a los 13Th Independent Music Awards en la categoría World beat. En 2015 su canción “Solcito” recibió la nominación a los 14Th Independent Music Awards en la categoría World beat. 

“Ela e o mar” de Mariana Masetto es la manifestación de la luz surgida de un ser que se realimenta con su propia energía, con el ritual ancestral de la percusión, dejándose llevar por los caminos sutiles y a la vez intensos de su búsqueda personal y transportando al oyente consigo a los paisajes que canta, a los climas que respira, al sonido de su arte.

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Música que hace bien, paisajes sonoros de Marika Takeuchi.

Por Pablo Rego | La pianista japonesa Marika Takeuchi presenta su cuarto CD en el que continúa explorando el impresionismo dentro del neo-clásico, creando unos paisajes repletos de sutileza, minimalismo y sentimiento.

En “Colors in the Diary” la pianista, graduada en el prestigioso Berklee College of Music, presenta una variedad de composiciones propias inspiradas en paisajes naturales, en los colores de las estaciones, en la belleza implícita en la naturaleza que inspira al ser sensible. Este nuevo álbum fue producido por el ganador del Grammy Will Ackerman, y en él se presentan, junto a la pianista, el chelista Eugene Friesen y el violinista de la Boston Symphony Orchestra Si-Jing Huang.

Takeuchi, es compositora, productora, arregladora, copista y educadora especializada en piano. Su primer álbum “Nightdream” (2011) resultó una gran novedad para los fans del neoclásico, new age y musicoterapia.  

A lo largo de su carrea, además de componer para cine y televisión en diferentes partes del mundo, en sus otros tres discos, Marika Takeuchi fue explorando la utilización de diferentes instrumentos para crear climas con los que expresar su arte.

Un par de años después de su bien recibido primer álbum Night Dream, apareció  su segundo trabajo “Impressions” (2013), revolucionando los ámbitos de escucha del neoclásico, un género que se ve ricamente alimentado por esta artista. En ese álbum desarrolló su experiencia compositiva y arreglos agregando a su interpretación del piano, flauta, clarinete, violín, viola y chelo, y en la selección de temas incluyó algunas de sus composiciones para cine, así como música de cámara. Su tercer álbum, “Rain Stories” (2014), introdujo en sus grabaciones  dos instrumentos a la mezcla con los que no había trabajado anteriormente en sus arreglos y composiciones: el oboe y el tradicional erhu (violín chino).

“Colors in the Diary”, el nuevo disco de Marika Takeuchi, crea un clima minimalista e impresionista a la vez, con sonidos simples que dibujan siluetas en las que pueden adivinarse los paisajes que pinta. La descripción sonora propone la contemplación interior desde el exterior, como una manera de completar el cuadro a través de la música, introduciendo la percepción como decodificador estético en el que participan también las almas.

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Nava; moderno, tradicional y con carácter internacional.

Arian Houshmand presenta su nuevo trabajo “Nava” (vocablo farsi que significa melodía), con un fuerte sello de identidad personal, mucha guitarra, composiciones propias, música tradicional persa y balcánica y  arreglos de temas clásicos populares del mundo.

Cuando un artista elige desde sus propias experiencias de vida una lista de temas para grabar un disco, si este artista ha nacido en Suiza, siendo hijo de iraníes, ha crecido entre Costa de Marfil, Dinamarca, Indonesia y Emiratos Árabes, si además vive en su época rodeado de géneros transnacionales como el rock, el jazz o el clásico y a eso le sumamos que es amante de la música de América, hasta el punto de viajar de la del Norte a la del Sur, estudiando, tocando y formándose, para terminar viviendo en Buenos Aires a partir de 2004, el resultado es un álbum único, como “Nava”, el disco debut como solista de Arian Houshmand.

Este artista versátil se expresa ante todo con la guitarra, habiéndose formado en la ejecución de la guitarra clásica y flamenca con grandes maestros. Compone y arregla los temas que elige desde muy adentro del mundo de la música académica y, también, con el fluir que le ha dado su experiencia y formación en la música popular y el jazz.

Como artista del mundo, en su disco “Nava”, éste joven y experimentado multinstrumentista y compositor, va dibujando un mosaico personal en el que deja impresa una huella vital, a través de sus temas propios, alguna canción tradicional iraní o balcánica (abordados con mucho respeto por el sonido y la tradición originales), y arreglos de temas de grandes artistas populares del mundo como Tom Jobín, Stevie Wonder, Silvio Rodríguez,  Charlie Haden, The Beatles o el compositor norteamericano popular y de jazz Hoagy Carmichael.

Arian Houshmand toca, compone y arregla creando, por lo que tanto los temas populares occidentales como los suyos propios y también los tradicionales presentes en éste álbum tienen un sello particular, el suyo.  En “Nava” el artista de raíz iraní toca y crea una rica variedad de sonidos con sus guitarras, su voz, interpretando también setar y santur (tradicionales persas) a los que incorpora de manera cuidada, a través de músicos invitados de diferentes orígenes,  piano, violín, contrabajo, clarinete, daf (tambor persa), tombak (de percusión persa), derbake (de percusión árabe) y dohol (de percusión armenio)

“Nava” es una suma de pequeñas delicatesen musicales que tienen un hilo conductor en la persona del artista que expresa sus vivencias, sus gustos, su tradición y su maestría en la ejecución de la música de manera que al escuchar este recorrido particular de músicas se transitan diferentes estados, los que transmite lúcidamente y claramente Arian Houshmand en cada nota grabada en este nuevo disco.

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Funk, fusión y ficción canadienses.

por Pablo Rego|“Abandon earth” es el quinto disco de la potente agrupación canadiense Five alarm funk basado en una historia conceptual de ficción en la que un robot gigante y tirano destruye la Tierra.

El atrevimiento de esta banda con raíz en Vancouber, para, desde el funk, estallar en un sonido potente que no da tregua, y expandirse en una fusión de elementos de rock gitano, música latina, ska y hasta metal progresivo, demuestra la creatividad de sus integrantes que utilizan la música como forma de romper estructuras para crear una expresión propia y auténtica.

  

Five alarm funk es una de esas bandas conformada por numerosos miembros (nueve) que tienen un fuerte atractivo en sus presentaciones en directo y que, desde allí, proponen un estilo salvaje e intenso en sus grabaciones.

Esta banda lleva más de una década de carrera con cinco álbumes editados y cuatro giras nacionales en las que han ido creciendo poco a poco. “Abandon earth” demuestra la excelente forma en la que se encuentra esta dinámica agrupación que próximamente estará editando un nuevo trabajo de estudio.

“Abandon earth” va pisando fronteras de sonidos y climas diversos, saliéndose de a ratos de los límites de lo preconcebido. Es un disco potente que expresa la historia apocalíptica que cuenta (la del tirano robot gigante que destruye la Tierra), en la que cada uno de los integrantes de la banda va aportando su punto de vista en sonidos que viajan a alta velocidad entre los Balcanes, la música latina y un acelerador metálico que es intencionalmente apretado para movilizar y sacudir.

Five alarm funk cuenta con diversos premios nacionales en la escena musical canadiense y prepara una gira por Estados Unidos, Europa y Oceanía. La banda de Vancouver está compuesta por: Gabe Boothroyd (guitarra), Oliver Gibson (guitarra), Neil Towers (bajo), Tayo Branston (batería y voz) Tom Towers (congas), Carl Julig (timbales), Nimish Parekh (trombón), Dameian Walsh (saxo) y Kent Wallace (trompeta)

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Nuevo CD para la práctica de yoga y meditación por “Sayama”

Por Pablo Rego | “Yoga meditaions, a musical journey” es el nombre del nuevo trabajo discográfico editado por Real Music. Un álbum que se inscribe en la lista de los creadores de climas, ideal para la práctica de Yoga y sus meditaciones.

Los sonidos combinados con sutileza y sensibilidad espiritual por Sayama, funcionan como un transporte vibratorio que lleva al oyente a un viaje armonioso en medio de un clima de fusión creado por instrumentos típicos de oriente y también de la cultura musical occidental.

A través de los tracks de este disco las variables que rodean al practicante de Yoga o meditador, sirven como elemento que deja discurrir naturalmente el flujo del tiempo sin distracciones, ayudando a permanecer en el presente, mientras que las diferentes dimensiones de las armonías se despliegan en el ambiente.

Voces, piano, violonchelo, gongs, campanas de templo, tingsha (chinchines tibetanos), tambora, instrumentos que crean esta trama sonora que sirve de viaje, más en el espacio que en el tiempo, y armonizan expansivamente las fronteras del espíritu que fluye libremente hacia el interior del Ser con naturalidad.

Entre cada una de las pistas de “Yoga meditaions, a musical journey” de Sayama se escuchan los sonidos de las olas del océano creando un flujo ininterrumpido de música meditativa.

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Diego “El Cigala” de gira por Argentina en abril

por Pablo Rego | El mundialmente reconocido cantaor español visitará Argentina en abril ofreciendo “conciertos íntimos” en las ciudades de Rosario, Córdoba y Buenos Aires.

La personal e inconfundible expresión del cante de “El Cigala” será acompañada por Jaime Calabuch “Jumitus” en piano, manteniendo el formato que de piano y voz que inaugurara artísticamente años atrás junto a al cubano Bebo Valdés, luego Chucho Valdés y más tarde Caramelo de Cuba, con el que consiguió tantos éxitos y tan buenos resultados artísticos.

Las presentaciones serán los días 13 de abril en Rosario (City Center, Boulevard Oroño y Circunvalación), 14 de abril en Córdoba (Espacio Quality, Av. Cruz Roja Argentina 200) y 16 de Abril en Buenos Aires (21hs, Teatro Coliseo, Marcelo T. de Alvear 1125) Las entradas están a la venta.

Diego “El Cigala” fundamenta su “concierto íntimo” en la profundidad de su voz, suficiente para crear una propuesta rica en matices junto al sonido del piano con el que tan cómodo se siente en el escenario, a los que suma la variedad de géneros con los que ha ido fusionando su cante jondo original, del que nunca se aparta y a la que siempre regresa, viajando por la zambra mora, el tango o el bolero.

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Desde el sur del sur, nuevo disco de un folk singer argentino

por Pablo Rego | “Leyenda” es el nombre del nuevo álbum de Fernando Goin editado por Acqua Records de Argentina. El cantautor propone una visión experimentada de la vida a través de la canción, rodeado del sonido de géneros como el Country, Blues, Western Swing, Rockabilly o Rhythm & Blues.

El nuevo álbum es un puñado de baladas propias que cuentan historias íntimas, emotivas, experiencias de vida sinceras. La manifestación de un artista que relata su visión del mundo llevando consigo una extensa y particular carrera artística que deja su primer testimonio dentro del Folk en Argentina en su disco del año 1979.

En “Leyenda”, Fernando Goin (voz, guitarra, armónica) es acompañado por Luis Taboada (guitarra), Carlos Rotondaro (bajo), Pablo Palmieri (batería)  y su hijo Augusto Goin (batería)

Desde aquel comienzo en los años 70s, Goin ha dedicado su vida artística al desarrollo de un estilo dentro la música Folk,  Americana, la música de raíz que forma parte del folklore estadounidense, agregando cada vez con mayor soltura elementos propios de su persona y de su ambiente.

Entre 1980 y 2010 Goin edita siete álbumes explorando el mundo de la balada americana, el Country o el Folk, interpretando canciones propias y temas de, entre otros, Bob Dylan. 

El su nuevo álbum de 2016, “Leyenda”, en el sur del gran continente americano, este cantante regresa al disco con quince canciones en las que continua en el mundo del Country y géneros afines, con canciones propias en español.

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Lanzamiento internacional del nuevo trabajo del sudafricano Guy Buttery

El multipremiado y talentoso guitarrista sudafricano Guy Buttery regresa al disco con su sexto trabajo homónimo, grabado en Sudáfrica en 2015 y lanzado al mercado internacional en este mes de marzo de 2016.

Cuando un disco es la expresión creativa del artista que experimenta su universo con todos los sentidos, capitalizando las vivencias para transformarlas en música, el trabajo conseguido, la obra completa, es un mundo de arte vivo que transmite emociones, sensaciones, paisajes sonoros, en cada una de sus melodías.

Este  nuevo álbum que tiene como protagonista a la guitarra es una vivencia grabada, una serie de impresiones con alto grado de espontaneidad, variedad de climas, juegos sonoros y mucha participación de grandes artistas e instrumentos particulares. Los temas, todos compuestos por Buttery, tienen diversas inspiraciones, desde una utópica reunión de Egberto Gismonti con el cineasta Bernard Hersog en Manaos hasta  un viaje desde Cachemira en el norte de India hasta el Sahara en Marruecos siguiendo los pasos de la ruta que tomara en su día Led Zeppelin.

“Guy Buttery” es la visión particular del músico que con mucho talento y técnica, utiliza todos los recursos a su disposición (que no son pocos) para llevar hacia adelante la propuesta del sonido, creando unas formas musicales particulares, llenas de inspiración y sensibilidad.

Este guitarrista sudafricano reconocido en muchas partes del mundo, que ha sido invitado a tocar durante muchos años en países como Estados Unidos, Gran Bretaña, Australia, Francia, Brasil e Italia, es un hombre muy conectado con la naturaleza y se nutre de ella sin esfuerzo, por su experiencia de vida, habiendo nacido y crecido en un pueblo costero del norte de Sudáfrica, rodeado de granjas, sembradíos, la costa del océano Índico y la vida silvestre.

Para grabar este nuevo trabajo, Buttery decidió instalarse en una casa en medio del campo en Zululandia (KwaZulu-Natal, Sudáfrica), a donde comenzaron a acudir de apoco muchos de sus amigos músicos que se sumaron al proyecto. En el sonido del disco quedaron registros del ambiente del campo gracias a las sesiones realizadas con las puertas y ventanas abiertas, pero también se puede escuchar una integración de artistas que crean entre todos una expresión musical sudafricana renovada y viva.

En el álbum puede apreciarse la gran destreza de Buttery en guitarras acústicas, mbira (pequeño piano africano que se toca con los pulgares) y texturas acústicas ambientales. Además, participan colaborando algunos de los mejores músicos sudafricanos incluyendo a Vusi Mahlasela (vocalizaciones no verbales), Dnan Patlansky (guitarra eléctrica), Nids Van Der Spuy (cuatro, guitarra acústica y eléctrica), Shane Cooper (bajo acústico), Derek Gripper (guitarra clásica), Gareth Gale (batería), Chris Letcher (piano Wurlitzer y órgano) y Qadasi (arco de boca umhupe y concertina) También fueron parte de las grabaciones artistas de otras partes del mundo como Lorenzo Mantovani tocando el sarangui hindú y Piers Faccini en coros, así como el reconocido músico alemán radicado en EE.UU. Will Ackeman en guitarra acústica, uno de los ídolos a lo largo de la vida de Guy, gentileza de Windham Hill Records. 

Escuchando atentamente este potente disco la música de fusión, de raíz, el entrecruzamiento de culturas y la creatividad humana se manifiestan por todo lo alto, evolucionando la World Music, derribando límites mentales en la apreciación y llenando el alma de reconfortante nueva música.

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Tango y más en una fusión equilibrada de talento, técnica y culturas.

por Pablo Rego | Cuando se tiene entre las manos un disco llamado “Hotel Victoria” (nombre de tango clásico) en el que un holandés, Carel Kraayenhof, se presenta tocando el bandoneón, y un argentino, Juan Pablo Dobal, aparece tocando el piano, difícilmente pueda ser imaginada la caja de sorpresas que resulta esta obra discográfica que, además de un par de tangos y valses clásicos de la música rioplatense, su contenido es un rosario de temas e inspiraciones folclóricos originales de altísima calidad interpretativa.

Si bien Carel Kraayenhof es un reconocido y destacado bandoneonista identificado con el Tango, género con el cual viene tocando clásicos desde hace años por el mundo con su Sexteto Canyengue, con su Ensamble y como solista, la reunión con Juan Pablo Dobal, un pianista de sólida formación, versátil y exquisito (radicado en Holanda e integrante también el Sexteto), crea un vehículo de expresión que potencia ambos talentos.

“Hotel victoria” va retratando imágenes y épocas, con sonidos perfectamente elegidos para transmitir esas pinturas geográficas o temporales de la música de origen popular y folclórica, llevada al extremo del refinamiento por su proceso intelectual y luego interpretada desde un flujo inexplicable de técnica y talento.

A lo largo del trabajo discográfico de dieciséis temas se pueden apreciar tangos clásicos como “Adiós Nonino” de Piazzolla en un solo de Carel Kraayenhof, “Hotel Victoria” de Feliciano Latasa o el Vals criollo de Julio César Sanders “Luna de Arrabal”. Pero esta estructura tanguera y arrabalera es apenas la columna vertebral de un recorrido por temas del Folclore argentino como la vidala chayera “Vamos a chayar” de Atuto Mercau Soria (gran rescate cultural), las chacareras “La equívoca” de Ariel Ramírez y “La carbonera” de los hermanos Ávalos, y una generosa entrega de composiciones propias de Kraayenhof y Dobal con inspiraciones en éstos géneros que dibujan el mapa musical de Argentina, pero también pedacitos de historia y la idiosincrasia multicultural fronteras adentro y afuera.       

Cabe destacar los arreglos, a través de los cuales estos dos grandes músicos le sacan todo el jugo al piano y al bandoneón desde el respaldo propio de conocer ampliamente la música que tocan y todo el abanico de posibilidades que ofrecen los instrumentos.

El holandés Kraayenhof se aventura en profundizar con maestría en la cultura de un lugar del mundo del que se manifiesta apasionado, desde el bandoneón y el Tango, buceando en otros géneros que aparecen viajando hacia los antiguos arrabales de la ciudad y terminando en la extensa geografía sudamericana. La inspiración del argentino Dobal y su conocimiento de la música de raíz de su país, recrean con otro aire, pero con el mismo sentimiento, la expresión sonora de su pueblo.

“Hotel Victoria” es un trabajo para disfrutar, para conocer, una propuesta amplia y rica, con el piano y el bandoneón como instrumentos destacados y un sonido instrumental de gran calidad técnica e interpretativa.

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