Nuevo disco de música de raíz desde Dublin.

por Pablo Rego | La banda de música de raíz con sede en Dublin, I Draw Slow lanza su muy esperado nuevo álbum, “Turn your face to the sun” a través del sello de Nashville, Compass Records.

Una combinación de potentes y pegadizas canciones, actuaciones exuberantes y una pasión por la tradición se unen en este álbum para crear una propuesta más cohesiva que las presentadas en sus trabajos anteriores. Con el liderazgo de los hermanos y compositores Dave (guitarra / voces) y Louise (voces) Holden, I Draw Slow hace coexistir el pasado y el presente con melodías originales que se inspiran en lo mejor de la música folclórica irlandesa y americana.

Gracias al coherente desarrollo de sus propuestas musicales, I Daw Slow ha ido ganando seguidores en Irlanda y Estados Unidos, siendo conocido por algunos de sus éxitos y por la invitación y participación en diferentes renombrados festivales de música de raíz.

 A medida que fueron girando y la respuesta de la prensa fue siendo más positiva, la banda decidió capitalizar el crecimiento del apoyo de sus fans, lo que los llevó a seguir creciendo y lanzar su nuevo álbum “Turn your face to the sun”, su proyecto más ambicioso hasta la fecha con un sonido más expansivo y una paleta de sonidos más rica.

La banda de Dublin aporta, desde su estructura y con sus canciones, un sonido que se ajusta a los tiempos actuales, una voz moderna en línea con la evolución del estilo de los cantantes del género. Las producciones del ambiente creado para los temas, de los clips y de las presentaciones en directo van en la cresta de la ola del proceso que están haciendo las bandas contemporáneas que se inspiran en los clásicos y renuevan el género de la música de raíz.

I Draw Slow es una banda de cinco integrantes compuesto por voces, guitarra, violín, banjo y contrabajo. Los hermanos Holden,  Dave y Louise, son apoyados por el violinista Adrian Hart, Colin Derham, que toca el banjo, y el contrabajista Konrad Liddy. El quinteto utiliza cuerdas y voces para crear una propuesta dinámica que va creciendo año a año, disco a disco, dentro del contexto de la “american/appalachian music” y canciones irlandesas.

“Turn yourface to de sun” ya está disponible en Estados Unidos y a través de los sitios de descarga online y el 12 de mayo estará disponible en las tiendas de todo el mundo.

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El nuevo disco de Nathan Speir, buena música para una buena existencia.

por Pablo Rego | “Part of a kindly plan”, el noveno disco del completo artista Nathan Speir es un aporte personal a la buena vibración humana a través de la música. Con un estilo intimista y envolviendo sus temas en un ambiente de armonía, el músico norteamericano expresa su filosofía de integración sin limitaciones en las formas.

Como parte de su camino de experimentación y eclecticismo, en el que la música de Speir fuera catalogada como “ambient chamber music”, “acoustic-ambient”, “piano-oriented”, “new age”, o “avant-garde”, “Part of a kindly plan” (Neptic Music) suma un paso más a ese camino, en esta oportunidad, trabajando con una gran cantidad de instrumentos acústicos como  piano, guitarras de cuerdas de acero y nylon, flauta de madera, violonchelo, armónica, palo de lluvia y cuencos, integrando a ello, en un par de temas y para lograr volumen en su música, sonidos sintetizados.

En su proceso de formación Nathan Speir asistió a la Universidad de Palm Beach Atlantic en Florida y obtuvo su licenciatura en Teoría y Composición Musical. Después de eso, Speir, que ahora vive en Carolina del Norte, comenzó a grabar activamente su propia música original y lanzó una impresionante serie de álbumes y singles que incluyen grabaciones que van desde el piano a solos sintetizados, así como una combinación de los dos tipos de teclado, a veces complementado con otros instrumentos como flauta nativa americana, guitarras y violonchelo, además de haber grabado arreglos alternativos de algunas de sus composiciones.

La inspiración musical de Speir surge de una amplia variedad de fuentes incluyendo el clásico moderno, el jazz, la new age, compositores minimalistas y la música bizantina sagrada.

“Part of akindly plan” es un disco de música apacible, con un ritmo conectado con el corazón, que explora el interior del ser humano y su comunicación con un mundo armonioso. Las diferentes pistas del nuevo disco de Nathan Speir proponen una conexión con lo acústico, desde una estética agradable y dentro de un clima relacionado con lo sagrado de la existencia.

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Después de años, Dulce Pontes vuelve al disco con “Peregrinação”

La cantante, instrumentista, compositora, arreglista y productora portuguesa regresa al disco con un proyecto solista,  después de años de haber editado su último trabajo. Esta vez con un lanzamiento conformado por dos CDs de once temas cada uno en los que, además de su emblemático Fado, recorre varios diferentes géneros musicales.

En este recorrido o “Peregrinação” (Peregrinaje) (Ondeia Musica), Dulce Pontes realiza un viaje a las profundidades del ser, explorando sensibilidades, emociones, experiencias personales y dejando salir el arte hecho música para su representación.

Este trabajo conceptual está dividido en dos discos: “Nudez” que está completamente cantado en Portugués y “Puertos de abrigos”, cantado casi totalmente en Español, salvo dos temas: uno en Galaico-Portugués y el otro en Inglés.

Dulce Pontes es una artista completa y con mucha identidad. Su sensibilidad la lleva a transitar el mundo de la música a su tiempo, creando desde su magnífica voz y rodeada siempre de grandes músicos, el vehículo sonoro que le da vida, la lleva a explorar sus raíces y le permite renovar su conexión con la tierra y la cultura del mundo para seguir creando con frescura y mucha potencia.

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Guitarras oceánicas, terrestres y estelares.

por Pablo Rego | El dúo de guitarras acústicas “Terra Guitarra” ha creado un nuevo álbum denominado “Of Sea & Stars”, que hace una correlación entre la exploración de los océanos de la Tierra y el espacio exterior, porque ambos representan lugares que tienen que ser explorados a través de viajes para descubrir nuevas tierras y obtener información adicional sobre la conciencia humana, el despertar espiritual y el conocimiento científico.

A la exploración de músicas étnicas y de raíz presentada en sus trabajos anteriores, el dúo formado por el guitarrista y compositor Bruce Hecksel y la guitarrista Julie Patchouli, incorpora la inspiración en el espacio exterior, como una manera de expandir la consciencia y permitir el ingreso de una información que proyecte el concepto de su música del mundo a la dimensión universal.

El sonido de “Of Sea & Stars” contiene una notable presencia de flautas de madera nativas, además del aporte cuidadoso de sonidos de bajo, congas y una variada percusión ejecutada por ambos miembros del dúo.

                                   

El sello distintivo de “Terra Guitarra” continúa teniendo una base de música latina con ritmos y sonidos propios del Mediterráneo, como España, Grecia y Marruecos, o del Caribe o América del Centro y del Sur. Pero, también es notable, en este nuevo álbum, la expansión de su sonido hacia la música nativa del Norte de América o elementos del Norte de Europa o África.

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White Sun, ganó el GRAMMY al mejor álbum de New Age.

White Sun, la banda de Santa Mónica, California, conocida por sus interpretaciones musicales pioneras de mantras yóguicos, ha ganado el premio GRAMMY 2017 en la categoría "New Age" por su álbum “White Sun II”. Fueron nominados junto a artistas de la talla de Enya y Vangelis.

El cantante y compositor de White Sun, Gurujas, aceptó el trofeo diciendo: "Sólo queremos que nuestra música haga algo mejor para alguien en alguna parte. Nuestro sueño es ver que este mundo se convierta en un lugar más hermoso. Para todo aquel que comparta ese sueño, gracias, te amamos y vamos a hacerlo mejor"

Destacando la agilidad musical de la banda, las canciones de “White Sun II” enfatizan las vibraciones curativas del mantra a través de las claras y profundas voces del cantante y compositor de White Sun, Gurujas. Los miembros de la banda Harijiwan y el dos veces ganador del Emmy, Adam Berry, crean la rica base rítmica que lleva a los oyentes más allá del ámbito cotidiano, a un lugar de experiencia inspirada y energizada.

Los mantras antiguos que son las letras de las canciones de White Sun son capaces de eliminar los pensamientos negativos y las emociones simplemente escuchándolos. La música es tan efectiva para hacer que la gente se sienta mejor que el álbum “White Sun II” fue agregado recientemente al currículo oficial de la Universidad del Sur de California (USC) en 2016, como parte de un nuevo programa de salud y bienestar para ayudar a los estudiantes a lidiar con niveles crecientes del estrés en el campus.

Los músicos invitados en “WhiteSun II” incluyen al ganador del GRAMMY e intérprete del kora Mamadou Diabate, al  violinista siete veces nominado al GRAMMY, Gabe Witcher de los Punch Brothers, los renombrados cantantes Julia Waters, Maxine Waters y Oren Waters y el maestro de tabla Abhiman Kaushal.

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“Resonance”, calma, relajación, sanación y expansión de la consciencia a través de la música.

por Pablo Rego | “Resonance” (New Earth Records) es el  nuevo disco del destacado músico de la New Age Peter Kater, quien lleva tres décadas desarrollado un estilo particular que incluye su experiencia como músico y las formas que ha ido tomando su ser en su camino de desarrollo espiritual.

Las pistas de “Resonance” contienen ocho temas originales de carácter introspectivo y contemplativo, todos con el sello particular del piano de Kater, suplementado con sintetizadores, gongs, campanas y cuerdas.

Peter Kater, quien nació en Alemania y se mudó de pequeño a Estados Unidos, ha transitado un particular recorrido por la música, viajando y experimentando, tocando en vivo, relacionándose durante años con el jazz y su universo, colaborando con una gran cantidad de músicos.

Y al mismo tiempo, las impresiones personales y su búsqueda espiritual, lo han conectado con la naturaleza, con las comunidades originarias y su manera de percibir y manifestarse en el mundo, transformando sus sensaciones y creando las bases para la sutil y espiritual forma de expresarse de la actualidad.

Durante este camino de búsqueda personal, interior y espiritual, Peter reconoció la necesidad de la música como un vehículo de transformación y profunda sanación. Así grabó discos como “Compassion” y “Essence” que proporcionaron no sólo un paisaje amoroso, de apoyo, musical, sino también una invitación a bucear profunda y seguramente en la naturaleza esencial, emocional y espiritual.

El amor y el aprecio de Kater por la tierra y las culturas ancestrales le inspiraron para invitar a músicos indígenas, además del reconocido Carlos Nakai con quien grabó varios discos, a participar en varios proyectos con él.

La resonancia a la que hace referencia el nombre del nuevo álbum (“Resonance”) es la sincronicidad de las vibraciones del ser con todas aquellas cosas que existen y que pueden percibirse, desde la observación y la introspección, reconociendo diferentes emociones y utilizando la percepción como fuente de conexión y comprensión.

La calidad interpretativa y compositiva de Peter Kater, el sonido expresivo del piano y el entorno climático que crea con la utilización sutil de sonidos que acompañan sin sobresaltos las melodías, hacen de “Resonance” un disco amable, de alta calidad musical, que ayuda a encontrar buenos estados internos creando la atmósfera ideal para un momento de calma, para la práctica de yoga y meditación o la búsqueda de la expansión de la consciencia.

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“Cielo nocturno”, guitarra latina y mucha energía.

por Pablo Rego | El guitarrista y compositor Russ Hewitt presenta su tercer trabajo discográfico titulado “Cielo nocturno” (Saulito Music) en el que, con gran virtuosismo, recorre con su guitarra latina un espectro de música inspirada en la rumba flamenca, con un estilo brillante y personal.

Los sonidos que intervienen en “Cielo nocturno” son característicos de un subgénero que se va recreando con el tiempo, con la guitarra como protagonista –que inevitablemente  requiere de un guitarrista brillante como Hewitt- y que recorre un imaginario que tiene sus raíces en la música flamenca, pero que se mezcla con sonidos propios de la cultura tradicional latinoamericana, como un viaje que trasciende las fronteras desde España a Brasil, pasando por Centroamérica y el Caribe hasta llegar al norte del continente.

Ese viaje, que va describiendo paisajes de cielos estrellados y brisas marinas, guitarras entre olas, atardeceres y bailes cerca del fogón, está representado en las once pistas (todas compuestas por Hewitt) de este disco que resulta una ventana por la que imaginar un clima ideal, momentos de reflexión,  bienestar y alegría.  

Además de la guitarra de Russ Hewitt, intervienen en el disco un interesante puñado de destacados músicos como el percusionista Raphael Padilla (Miami Sound Machine, Chris Isaak), el baterista Walfredo Reyes Jr. (Santana, Steve Winwood, Chicago), el bajista Bob Parr (Cher, Barry White), los guitarristas Ardeshir Farah (Strunz & Farah) y Alfredo Cáceres (Gipsy Kings All-Stars), además de la destacable presencia de Larry Carlton, quien participa en el tema “North of Home”

“Cielo nocturno” ha sido nominado en tres categorías para la edición 59º de los Premios Grammy (Mejor Álbum Instrumental, Composición Instrumental e Ingeniería de Grabación).

El disco fue producido por Bob Parr y masterizado por Chris Bellman (Van Halen, Elton John, Michael Jackson) quien también masterizó los dos álbumes anteriores de Hewitt, “Bajo el Sol” y “Alma vieja”

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Nuevo álbum “Cien por ciento tango argentino”

por Pablo Rego | El destacado violinista argentino Miguel Ángel Bertero presenta su nuevo trabajo discográfico titulado “Cien por ciento tango argentino” (RGS Music), integrado por composiciones clásicas, arregladas para violín solista y orquesta.

Los clásicos del tango grabados por Bertero en este nuevo disco son abordados desde el academicismo clásico, utilizando los instrumentos, la ejecución y sus matices como única manera de crear climas e impresiones, con un importante protagonismo de los arreglos que destacan al primer violín.

“Cien porciento tango argentino” es el testimonio presente de un músico que comenzó a tocar el violín en orquestas de tango en 1957 y desde entonces  compartió escenario y estudios de grabación con una gran cantidad de maestros del tango (de diferentes tiempos) y de la música clásica, además de integrar varias prestigiosas orquestas sinfónicas y de proyección internacional, de origen local y del exterior de Argentina.

De regreso de muchos escenarios y vivencias como músico destacado, Miguel Angel Bertero recupera sus recuerdos de infancia y recrea esos tangos grabados a fuego en su memoria, dándoles nueva vida, creando su propio sonido surgido de una innegable excelencia en la interpretación y compartiendo una visión única por su larga trayectoria y rica experiencia, a través de un estilo clásico que contiene y trasciende al tango.

Como lo hiciera en su primer trabajo “A mi querida Buenos Aires”, las pistas del disco incluye tangos que van recorriendo el siglo XX, temas que se han vuelto clásicos por su jerarquía o por el significado de sus textos: “Café La humedad” (Cacho Castaña); “Concierto en la luna” (Osmar Maderna); “Caserón de tejas” (Sebastián Piana y Cátulo Castillo); “Taquito militar” (Mariano Mores y D. Gilardoni); “Mañana iré temprano” (Enrique Mario Francini y Carlos Bahr); “Pedacito de cielo” (Enrique Mario Francini y Héctor Stamponi); “Divina” (Joaquín Mora  y  Juan De la Calle), “Madreselva” (Francisco Canaro y  Luis César Amadori); “Poema en gris” (Horacio Cabarcos) y Oblivión (Astor Piazzolla)

“Cien porciento tango argentino” es un trabajo realizado con altura y con el sello de un maestro de la música que puede recordar, desarrollar y ejecutar tangos clásicos con la propiedad de la experiencia y la suficiencia de un experto.

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“Música Anfibia”, un disco para escuchar más de una vez.

por Pablo Rego | El recientemente lanzado segundo disco del argentino Abel Rogantini es la obra de un músico que expresa un lenguaje creativo, expresivo y emocional distintivo, como una huella identificadora, única, surgida de una cultura, de unas experiencias y de una visión minimalista y a la vez abarcadora de su tiempo.

Desde los códigos del jazz, utilizando recursos como la improvisación, su lenguaje rítmico y armónico, Abel Rogantini va buceando en los códigos de géneros que empapan la cultura de Sudamérica y del Río de la Plata y sus costas. Modulando sus composiciones, aparecen el candombe, el folklore y el tango, como distintos ambientes de los que se puede entrar y salir.

Los temas del disco, compuestos por Rogantini, son impresiones del artista tomados desde el jazz y que van mutando hacia otros géneros, con melodías cargada de emoción y climas que van desde lo intenso y frenético hasta lo suave e intimista. “Música Anfibia” también incluye una par de tangos clásicos “jazzeados” (de Aníbal Troilo y José María Contursi y de Ástor Piazzolla) como una manera de dar la vuelta al revés y fusionar de todas las maneras posibles los géneros y las estéticas.

El jazz, vivido de esta manera, toma la forma de un género con identidad regional que suma elementos locales para caracterizarse dentro de un subgénero que ha tenido en el pasado algunos exponentes y que continúa hoy creciendo con “Música Anfibia”

Abel Rogantini es un gran intérprete del piano, compositor y músico de escenario que en su nuevo disco lidera un cuarteto integrado por Bernardo Monk en saxos,   Pablo Motta en contrabajo, Diego Alejandro en batería, Abel Rogantini en piano y composición al que se suma como invitado  Nicolás Enrich en bandoneón.

Entre su primer trabajo discográfico “Trío” (2007) y el nuevo “Música Anfibia” (2016) Rogantini realizó un trabajo de desarrollo de interpretación tocando en vivo y grabando con una gran cantidad de renombrados artistas del mundo del jazz, del folklore y la música rioplatense (tango pero también candombe, formando parte durante varios años del trío de Daniel Maza, junto a Osvaldo Fattorusso).

Cabe destacar su actuación en vivo junto a Paquito D’Rivera en el Lincoln Center de NY tocando su tema “Milonguinha” o su participación como invitado junto a Franco Luciani del disco homenaje internacional a Toots Thielemans "We do it out of love"

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Nuevo disco de flautas y fusión global para conectar con el mundo sutil.

por Pablo Rego | “Ethereum” es el nombre del cuarto álbum del flautista, tecladista y compositor norteamericano Joseph L. Young, quien utiliza con maestría diversos tipos de flautas mezclándolas con climas y texturas creados con instrumentos acústicos y electrónicos, para abrir un portal que transporte al oyente a un mundo sin tiempo ni límites materiales.

El ámbito en el que este artista madura su arte es la actuación en en vivo, en donde su acción directa ayuda a conectar mundos dimensionales a los participantes de diversos festivales y encuentros. La creación de este nuevo disco es la síntesis de las experiencias realizadas por Young que se vuelve vehículo de comunicación para multiplicar la energía meditativa de su música.

Además de músico de amplia formación, Young es ingeniero de grabación. Su amor por las flautas e instrumentos étnicos y sus conocimientos sobre teclados y sintetizadores expanden sus recursos para alcanzar una mezcla de sonidos muy particular, que expresa la profundidad de su camino espiritual.

En “Ethereum” Joseph L. Young utiliza en sus composiciones una serie de flautas étnicas de diversas partes del mundo como las flautas de madera utilizadas por los Plains Indians (aborígenes de las praderas del norte de EE.UU. y Canadá) o los Anasazi (uno de los pueblos que despiertan más curiosidad y misterio en la zona montañosa del SE de EE.UU.), además de flautas irlandesas o la china Xiao. Estos sonidos ancestrales conviven en las pistas del disco con  la moderna y matemática flauta Phi o la Clay Drone de Sud y Centro América, entre otras.  

En la fusión participan tambén diversos instrumentos tradicionales del mundo incluyendo el dulcémele o dulcimer, el udu africano, el erhu o violín chino, arpa celta, y distintos instrumentos de percusión étnicos junto con una instrumentación moderna que incluye saxos, sintetizadores o Moyo drum, todos ejecutados por Joseph L. Young.

“Ethereum” propone la trascendencia del tiempo a través de los recursos sonoros que utiliza su creador, pero también crea un ambiente en el cual es posible sumergirse para descubrir miles de perlas que van atravesando la percepción para viajar a un mundo libre de ataduras y de condicionamientos de la realidad aparente.

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Piano y profunda serenidad en el nuevo disco de Dan Chadburn

por Pablo Rego | “BeyondWords” es el nombre del nuevo trabajo del pianista y compositor estadounidense Dan Chadburn, una apuesta a la expresión de emociones y experiencias profundas a través de temas intimistas interpretados con un estilo refinado y elegante.

El nombre del sexto álbum de este músico nacido en Oregón, hace referencia a aquello que puede expresarse con la música “más allá de las palabras”. Cada pista es un retrato de un recuerdo, una emoción o una experiencia diferente trascurrida a lo largo de la vida de Dan Chadburn.

Su amplia formación como intérprete y compositor hace de este trabajo una construcción artística cuidada y de calidad, en la que en todo momento la música, la ejecución del piano, los matices, crean un estado que conduce a la introspección, al ensueño o a la calma.

Beyond Words es un disco de pequeñas piezas musicales, coloreadas por la emocionalidad, que inspira a experimentar la vida en profundidad e invita al oyente a dejarse llevar a un espacio de reflexión y profunda serenidad.

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“Tierra”, un puente entre América y África.

por Pablo Rego | Martín Robbio presenta su tercer álbum en el que explora, junto a su trío y al grupo de percusionistas “Los Guevaristas”, las bases rítmicas africanas dentro de la música popular sudamericana. El disco está conformado por once temas de autores diversos entre los que destacan Eduardo Lagos, Naná Vasconcelos, Cuchi Leguizamón, Oscar Alem, Juan Raffo, McCoyTyner, Alice Coltrane y Dino Saluzzi.

La búsqueda del distintivo, la experimentación, el juego de la inspiración que va abriendo caminos a la creación conduce a este joven y talentoso pianista argentino a reinterpretar temas clásicos de autores que rompen los moldes desde su creación original.

Con esta orientación y profundizando en las bases rítmicas, el trío conformado por Martín Robbio en piano, Ariel Sánchez en batería y Juan Fracchi en contrabajo, junto a “Los Guevaristas”, el grupo de percusión liderado el experimentado Facundo Guevara,  dan vida a un factor común que habita en la génesis de la música popular de todo el continente americano: el elemento africano. También participan como invitados Victoria Zotalis en voz, Martín Sued en bandoneón y Marcos Cabezaz en marimba.

“Tierra” es un paso novedoso en un camino de rescate y destaque que en diversos momentos han emprendido músicos capaces de ver más allá de la superficie. En diferentes momentos de nuestra historia cultural contemporánea los buscadores de lo esencial se han sumergido en las raíces de la música popular latinoamericana para rescatar lo que parece que se va olvidando con el tiempo.

El sonido a Jazz de este álbum en particular es un puente entre una música influida por lo afro en el norte de América que conecta a través de elementos comunes con muchas músicas populares del sur. El Jazz se ha transformado en una Música del Mundo y “Tierra” transita ese camino, avanzando en lo estético y rescatando los orígenes de un elemento que late en las bases rítmicas del folklore.

La agrupación, integrada por Martín Robbio, Ariel Sánchez y Juan Fracchi, trabaja en la creación, producción y difusión de la música argentina y sudamericana desde hace más de cinco años. Con dos discos editados, “Parresía” (2012) y “El mismo río” (2015), y conciertos en muchos y variados escenarios, el grupo se postula como abanderado de la evolución y desarrollo de los géneros de la música popular.

Los Guevaristas son un grupo de percusión integrado por Facundo Guevara, Javier Martínez Bucas, Julián Solarz y Jerónimo Peña. Su director, Facundo Guevara ha sido percusionista de grandes artistas populares argentinos como Mercedes Sosa, Pedro Aznar y Teresa Parodi.

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“La ilusión”, imágenes cantadas de un artista particular.

por Pablo Rego | El nuevo disco de Darío Jalfin, editado por Twitin Records, es un álbum de canciones creado a partir de la transversalidad de géneros de la música popular latinoamericana. Con una aire instrumental clásico, una fuerte presencia de la voz y un toque del brillo del jazz y del rock/pop, “La ilusión” es una caja de pequeñas y particulares piezas para ir desenvolviendo y saboreando con atención y calma.

El nuevo disco de Jalfin, cuarto en su haber, contiene  canciones propias y versiones de “Dulce condena”, de Calamaro/Rot, “La Balsa”, de Nebbia/Tanguito y “Si hay que elegir”, con letra de Lucas Marti. El disco cuenta con la presencia de Fito Páez, Loli Molina, María Ezquiaga (Rosal) y Lucio Mantel como cantantes invitados.

Las melodías creadas por Jalfin buscan caminos originales. Mientras las bases estéticas y la rítmica surgen de estructuras reconocibles de ritmos de la música popular, las canciones van recorriendo, como el agua o como el humo, interesantes caminos alternativos, descuadrándose de a ratos y marcando diferencias cromáticas que imprimen un sello distintivo a esta propuesta de once canciones.

Los músicos que grabaron “Lailusión” son Carto Brandán en batería, Federico Fernández en bajo, Juan Pablo Di Leone en flauta, Ramiro Flores en clarinete, Paula Pomeraniec en cello y Darío Jalfin en piano, teclados, programaciones y voz, además de los arreglos y la producción artística. Sumándose a la lista de cantantes invitados, también participaron Andrés Beeuwsaert en teclados, Patricio Carpossi en guitarra y Christine Brebes en violines.

Darío Jalfin es Licenciado en Composición, pianista, cantante, arreglador y productor. Lleva editados cuatro discos solistas y dos en dúo. Compuso una larga lista de música original para audiovisuales, además de haber participado en más de una decena de discos como productor artístico, arreglador y pianista.

Durante su carrera profesional ha recibido el Primer Premio Octubre a la Música gracias al cual grabó su primer disco “Le pondría una letra” (Melopea, 2008). “Rayes y centollas” (Arroba Music, 2010) fue declarado de Interés Cultural por el Ministerio de Cultura del Gobierno de Buenos Aires. Su trabajo “Entre otros” (Club del Disco, 2012) fue seleccionado por BaMúsica para recibir apoyo en sus presentaciones en vivo. “El hijoprincipal” (Los Años Luz, 2014) y “La ilusión” (Twitin Records, 2016) fueron elegidos como "Disco del mes" por el Club del Disco.

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“Immortelle”, el nuevo disco de Deuter inspirado en el poder sanador de la naturaleza.

por Pablo Rego | El compositor y multiinstrumentista alemán, considerado uno de los padres de la música New Age, regresa al disco con una propuesta completamente inspirada y dedicada a la salud natural, creando temas que son pequeños homenajes a diferentes plantas medicinales.

Cada pista de “Immortelle” (New Earth Records) ha sido bautizada con el nombre de una planta, a la que Deuter,  que vive en medio del campo, junto al gran desierto de Santa Fe, Nuevo México, entrega su creación como una manera de agradecimiento y reconocimiento al servicio que estas especies que han dado y ofrecen el ser humano desde siempre.

Este pionero de la New Age, que cuenta con más de sesenta álbumes en su haber desde 1971 y que ha sido galardonado en 2016 con el prestigioso premio “Lifetime Achievemente Award”, busca inspiración en los pequeños elementos que constituyen el todo: personas, lugares, culturas y sobre todo la naturaleza y su poder curativo.

“Immortelle” está compuesto por ocho temas que comparten el nombre con diferentes plantas: Monarda (Bergamota Silvestre), Sonnenbraut (Helenium), Traubensilberkerze (Cimífuga), Lily of the baley (Lirio de los valles), Vervain (Vervena), Binsuga (Melisa o Toronjil), Immortelle (Siempreviva) y Cumaru (o Cumarú). Las melodías crean atmósferas que recrean el espíritu de las plantas y describen su entorno o el hábitat natural del que son oriundas.

En este nuevo disco, sutil, intimista, de grandes climas y texturas musicales, Deuter ejecuta diferentes instrumentos, incluidos flautas, teclados, chelo, piano y guitarra. Además incorpora en la mezcla su voz, que aparece sutilmente como un instrumento más. Para los diferentes momentos de “Immortelle”, también ha creado sonidos de violines, cuerdas, clavicordio, campanas, harpa y tambores.

Como el resto de los especiales discos de Deuter, “Immortelle” ofrece un transporte a un mundo armonioso, saludable, confortable, un momento de meditación, de conexión con aquellas cosas que están más allá de las preocupaciones mundanas, invitando a la contemplación y al silencio interior.

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Claire Lynch versiona clásicos de compositores canadienses en “Noth by South”

por Pablo Rego | El nombre del recientemente lanzado álbum de la cantante estadounidense, tres veces ganadora del premio IBMA a “mejor vocalista femenina” y nominada en 2016, Claire Lynch, “North by South” (norte junto al sur) (Compass Records), expresa la temática del disco: un homenaje a compositores canadienses a través de canciones dentro del género bluegrass y american music.

Inspirada en su reciente matrimonio con un canadiense, Claire Lynch comenzó a hurgar en el gran catálogo de canciones escritas por compositores de ese país y consiguió seleccionar un excelente material para la creación de su álbum.

Con Alison Brown como productora del disco, “North by South” contiene versiones entre las que destacan "Cold Hearted Wind" de Ron Sexsmith con Jerry Douglas en dobro, la pegadiza "Kingdom Come", escrita por Old Man  Luedecke con Bela Fleck en banjo y Stuart Duncan en violín y la preciosa balada marítima "Molly May", escrita por J.P. Cormier de Cape Breton. Lynch también ofrece interpretaciones intimistas de canciones de Lynn Miles ( "Black Flowers"), Dave Francey ( "Empty Train") y Gordon Lightfoot ( "It´s Worth Believing") Además, contribuye en el proyecto la desenfadada “Milo” con uno de sus propios temas.

Estas canciones, elegantemente presentadas y cuidadosamente elegidas, son una exquisita muestra de la rica tradición de la composición de canciones canadienses, pero, como señala la propia cantante "esta colección es sólo la punta del iceberg".

“North by South” es el producto de un amor por el canto de Canadá que se ha transformado en una pieza central de la vida de Claire Lynch.

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