Nava; moderno, tradicional y con carácter internacional.

Arian Houshmand presenta su nuevo trabajo “Nava” (vocablo farsi que significa melodía), con un fuerte sello de identidad personal, mucha guitarra, composiciones propias, música tradicional persa y balcánica y  arreglos de temas clásicos populares del mundo.

Cuando un artista elige desde sus propias experiencias de vida una lista de temas para grabar un disco, si este artista ha nacido en Suiza, siendo hijo de iraníes, ha crecido entre Costa de Marfil, Dinamarca, Indonesia y Emiratos Árabes, si además vive en su época rodeado de géneros transnacionales como el rock, el jazz o el clásico y a eso le sumamos que es amante de la música de América, hasta el punto de viajar de la del Norte a la del Sur, estudiando, tocando y formándose, para terminar viviendo en Buenos Aires a partir de 2004, el resultado es un álbum único, como “Nava”, el disco debut como solista de Arian Houshmand.

Este artista versátil se expresa ante todo con la guitarra, habiéndose formado en la ejecución de la guitarra clásica y flamenca con grandes maestros. Compone y arregla los temas que elige desde muy adentro del mundo de la música académica y, también, con el fluir que le ha dado su experiencia y formación en la música popular y el jazz.

Como artista del mundo, en su disco “Nava”, éste joven y experimentado multinstrumentista y compositor, va dibujando un mosaico personal en el que deja impresa una huella vital, a través de sus temas propios, alguna canción tradicional iraní o balcánica (abordados con mucho respeto por el sonido y la tradición originales), y arreglos de temas de grandes artistas populares del mundo como Tom Jobín, Stevie Wonder, Silvio Rodríguez,  Charlie Haden, The Beatles o el compositor norteamericano popular y de jazz Hoagy Carmichael.

Arian Houshmand toca, compone y arregla creando, por lo que tanto los temas populares occidentales como los suyos propios y también los tradicionales presentes en éste álbum tienen un sello particular, el suyo.  En “Nava” el artista de raíz iraní toca y crea una rica variedad de sonidos con sus guitarras, su voz, interpretando también setar y santur (tradicionales persas) a los que incorpora de manera cuidada, a través de músicos invitados de diferentes orígenes,  piano, violín, contrabajo, clarinete, daf (tambor persa), tombak (de percusión persa), derbake (de percusión árabe) y dohol (de percusión armenio)

“Nava” es una suma de pequeñas delicatesen musicales que tienen un hilo conductor en la persona del artista que expresa sus vivencias, sus gustos, su tradición y su maestría en la ejecución de la música de manera que al escuchar este recorrido particular de músicas se transitan diferentes estados, los que transmite lúcidamente y claramente Arian Houshmand en cada nota grabada en este nuevo disco.

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Funk, fusión y ficción canadienses.

por Pablo Rego|“Abandon earth” es el quinto disco de la potente agrupación canadiense Five alarm funk basado en una historia conceptual de ficción en la que un robot gigante y tirano destruye la Tierra.

El atrevimiento de esta banda con raíz en Vancouber, para, desde el funk, estallar en un sonido potente que no da tregua, y expandirse en una fusión de elementos de rock gitano, música latina, ska y hasta metal progresivo, demuestra la creatividad de sus integrantes que utilizan la música como forma de romper estructuras para crear una expresión propia y auténtica.

  

Five alarm funk es una de esas bandas conformada por numerosos miembros (nueve) que tienen un fuerte atractivo en sus presentaciones en directo y que, desde allí, proponen un estilo salvaje e intenso en sus grabaciones.

Esta banda lleva más de una década de carrera con cinco álbumes editados y cuatro giras nacionales en las que han ido creciendo poco a poco. “Abandon earth” demuestra la excelente forma en la que se encuentra esta dinámica agrupación que próximamente estará editando un nuevo trabajo de estudio.

“Abandon earth” va pisando fronteras de sonidos y climas diversos, saliéndose de a ratos de los límites de lo preconcebido. Es un disco potente que expresa la historia apocalíptica que cuenta (la del tirano robot gigante que destruye la Tierra), en la que cada uno de los integrantes de la banda va aportando su punto de vista en sonidos que viajan a alta velocidad entre los Balcanes, la música latina y un acelerador metálico que es intencionalmente apretado para movilizar y sacudir.

Five alarm funk cuenta con diversos premios nacionales en la escena musical canadiense y prepara una gira por Estados Unidos, Europa y Oceanía. La banda de Vancouver está compuesta por: Gabe Boothroyd (guitarra), Oliver Gibson (guitarra), Neil Towers (bajo), Tayo Branston (batería y voz) Tom Towers (congas), Carl Julig (timbales), Nimish Parekh (trombón), Dameian Walsh (saxo) y Kent Wallace (trompeta)

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Nuevo CD para la práctica de yoga y meditación por “Sayama”

Por Pablo Rego | “Yoga meditaions, a musical journey” es el nombre del nuevo trabajo discográfico editado por Real Music. Un álbum que se inscribe en la lista de los creadores de climas, ideal para la práctica de Yoga y sus meditaciones.

Los sonidos combinados con sutileza y sensibilidad espiritual por Sayama, funcionan como un transporte vibratorio que lleva al oyente a un viaje armonioso en medio de un clima de fusión creado por instrumentos típicos de oriente y también de la cultura musical occidental.

A través de los tracks de este disco las variables que rodean al practicante de Yoga o meditador, sirven como elemento que deja discurrir naturalmente el flujo del tiempo sin distracciones, ayudando a permanecer en el presente, mientras que las diferentes dimensiones de las armonías se despliegan en el ambiente.

Voces, piano, violonchelo, gongs, campanas de templo, tingsha (chinchines tibetanos), tambora, instrumentos que crean esta trama sonora que sirve de viaje, más en el espacio que en el tiempo, y armonizan expansivamente las fronteras del espíritu que fluye libremente hacia el interior del Ser con naturalidad.

Entre cada una de las pistas de “Yoga meditaions, a musical journey” de Sayama se escuchan los sonidos de las olas del océano creando un flujo ininterrumpido de música meditativa.

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Diego “El Cigala” de gira por Argentina en abril

por Pablo Rego | El mundialmente reconocido cantaor español visitará Argentina en abril ofreciendo “conciertos íntimos” en las ciudades de Rosario, Córdoba y Buenos Aires.

La personal e inconfundible expresión del cante de “El Cigala” será acompañada por Jaime Calabuch “Jumitus” en piano, manteniendo el formato que de piano y voz que inaugurara artísticamente años atrás junto a al cubano Bebo Valdés, luego Chucho Valdés y más tarde Caramelo de Cuba, con el que consiguió tantos éxitos y tan buenos resultados artísticos.

Las presentaciones serán los días 13 de abril en Rosario (City Center, Boulevard Oroño y Circunvalación), 14 de abril en Córdoba (Espacio Quality, Av. Cruz Roja Argentina 200) y 16 de Abril en Buenos Aires (21hs, Teatro Coliseo, Marcelo T. de Alvear 1125) Las entradas están a la venta.

Diego “El Cigala” fundamenta su “concierto íntimo” en la profundidad de su voz, suficiente para crear una propuesta rica en matices junto al sonido del piano con el que tan cómodo se siente en el escenario, a los que suma la variedad de géneros con los que ha ido fusionando su cante jondo original, del que nunca se aparta y a la que siempre regresa, viajando por la zambra mora, el tango o el bolero.

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Desde el sur del sur, nuevo disco de un folk singer argentino

por Pablo Rego | “Leyenda” es el nombre del nuevo álbum de Fernando Goin editado por Acqua Records de Argentina. El cantautor propone una visión experimentada de la vida a través de la canción, rodeado del sonido de géneros como el Country, Blues, Western Swing, Rockabilly o Rhythm & Blues.

El nuevo álbum es un puñado de baladas propias que cuentan historias íntimas, emotivas, experiencias de vida sinceras. La manifestación de un artista que relata su visión del mundo llevando consigo una extensa y particular carrera artística que deja su primer testimonio dentro del Folk en Argentina en su disco del año 1979.

En “Leyenda”, Fernando Goin (voz, guitarra, armónica) es acompañado por Luis Taboada (guitarra), Carlos Rotondaro (bajo), Pablo Palmieri (batería)  y su hijo Augusto Goin (batería)

Desde aquel comienzo en los años 70s, Goin ha dedicado su vida artística al desarrollo de un estilo dentro la música Folk,  Americana, la música de raíz que forma parte del folklore estadounidense, agregando cada vez con mayor soltura elementos propios de su persona y de su ambiente.

Entre 1980 y 2010 Goin edita siete álbumes explorando el mundo de la balada americana, el Country o el Folk, interpretando canciones propias y temas de, entre otros, Bob Dylan. 

El su nuevo álbum de 2016, “Leyenda”, en el sur del gran continente americano, este cantante regresa al disco con quince canciones en las que continua en el mundo del Country y géneros afines, con canciones propias en español.

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Lanzamiento internacional del nuevo trabajo del sudafricano Guy Buttery

El multipremiado y talentoso guitarrista sudafricano Guy Buttery regresa al disco con su sexto trabajo homónimo, grabado en Sudáfrica en 2015 y lanzado al mercado internacional en este mes de marzo de 2016.

Cuando un disco es la expresión creativa del artista que experimenta su universo con todos los sentidos, capitalizando las vivencias para transformarlas en música, el trabajo conseguido, la obra completa, es un mundo de arte vivo que transmite emociones, sensaciones, paisajes sonoros, en cada una de sus melodías.

Este  nuevo álbum que tiene como protagonista a la guitarra es una vivencia grabada, una serie de impresiones con alto grado de espontaneidad, variedad de climas, juegos sonoros y mucha participación de grandes artistas e instrumentos particulares. Los temas, todos compuestos por Buttery, tienen diversas inspiraciones, desde una utópica reunión de Egberto Gismonti con el cineasta Bernard Hersog en Manaos hasta  un viaje desde Cachemira en el norte de India hasta el Sahara en Marruecos siguiendo los pasos de la ruta que tomara en su día Led Zeppelin.

“Guy Buttery” es la visión particular del músico que con mucho talento y técnica, utiliza todos los recursos a su disposición (que no son pocos) para llevar hacia adelante la propuesta del sonido, creando unas formas musicales particulares, llenas de inspiración y sensibilidad.

Este guitarrista sudafricano reconocido en muchas partes del mundo, que ha sido invitado a tocar durante muchos años en países como Estados Unidos, Gran Bretaña, Australia, Francia, Brasil e Italia, es un hombre muy conectado con la naturaleza y se nutre de ella sin esfuerzo, por su experiencia de vida, habiendo nacido y crecido en un pueblo costero del norte de Sudáfrica, rodeado de granjas, sembradíos, la costa del océano Índico y la vida silvestre.

Para grabar este nuevo trabajo, Buttery decidió instalarse en una casa en medio del campo en Zululandia (KwaZulu-Natal, Sudáfrica), a donde comenzaron a acudir de apoco muchos de sus amigos músicos que se sumaron al proyecto. En el sonido del disco quedaron registros del ambiente del campo gracias a las sesiones realizadas con las puertas y ventanas abiertas, pero también se puede escuchar una integración de artistas que crean entre todos una expresión musical sudafricana renovada y viva.

En el álbum puede apreciarse la gran destreza de Buttery en guitarras acústicas, mbira (pequeño piano africano que se toca con los pulgares) y texturas acústicas ambientales. Además, participan colaborando algunos de los mejores músicos sudafricanos incluyendo a Vusi Mahlasela (vocalizaciones no verbales), Dnan Patlansky (guitarra eléctrica), Nids Van Der Spuy (cuatro, guitarra acústica y eléctrica), Shane Cooper (bajo acústico), Derek Gripper (guitarra clásica), Gareth Gale (batería), Chris Letcher (piano Wurlitzer y órgano) y Qadasi (arco de boca umhupe y concertina) También fueron parte de las grabaciones artistas de otras partes del mundo como Lorenzo Mantovani tocando el sarangui hindú y Piers Faccini en coros, así como el reconocido músico alemán radicado en EE.UU. Will Ackeman en guitarra acústica, uno de los ídolos a lo largo de la vida de Guy, gentileza de Windham Hill Records. 

Escuchando atentamente este potente disco la música de fusión, de raíz, el entrecruzamiento de culturas y la creatividad humana se manifiestan por todo lo alto, evolucionando la World Music, derribando límites mentales en la apreciación y llenando el alma de reconfortante nueva música.

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Tango y más en una fusión equilibrada de talento, técnica y culturas.

por Pablo Rego | Cuando se tiene entre las manos un disco llamado “Hotel Victoria” (nombre de tango clásico) en el que un holandés, Carel Kraayenhof, se presenta tocando el bandoneón, y un argentino, Juan Pablo Dobal, aparece tocando el piano, difícilmente pueda ser imaginada la caja de sorpresas que resulta esta obra discográfica que, además de un par de tangos y valses clásicos de la música rioplatense, su contenido es un rosario de temas e inspiraciones folclóricos originales de altísima calidad interpretativa.

Si bien Carel Kraayenhof es un reconocido y destacado bandoneonista identificado con el Tango, género con el cual viene tocando clásicos desde hace años por el mundo con su Sexteto Canyengue, con su Ensamble y como solista, la reunión con Juan Pablo Dobal, un pianista de sólida formación, versátil y exquisito (radicado en Holanda e integrante también el Sexteto), crea un vehículo de expresión que potencia ambos talentos.

“Hotel victoria” va retratando imágenes y épocas, con sonidos perfectamente elegidos para transmitir esas pinturas geográficas o temporales de la música de origen popular y folclórica, llevada al extremo del refinamiento por su proceso intelectual y luego interpretada desde un flujo inexplicable de técnica y talento.

A lo largo del trabajo discográfico de dieciséis temas se pueden apreciar tangos clásicos como “Adiós Nonino” de Piazzolla en un solo de Carel Kraayenhof, “Hotel Victoria” de Feliciano Latasa o el Vals criollo de Julio César Sanders “Luna de Arrabal”. Pero esta estructura tanguera y arrabalera es apenas la columna vertebral de un recorrido por temas del Folclore argentino como la vidala chayera “Vamos a chayar” de Atuto Mercau Soria (gran rescate cultural), las chacareras “La equívoca” de Ariel Ramírez y “La carbonera” de los hermanos Ávalos, y una generosa entrega de composiciones propias de Kraayenhof y Dobal con inspiraciones en éstos géneros que dibujan el mapa musical de Argentina, pero también pedacitos de historia y la idiosincrasia multicultural fronteras adentro y afuera.       

Cabe destacar los arreglos, a través de los cuales estos dos grandes músicos le sacan todo el jugo al piano y al bandoneón desde el respaldo propio de conocer ampliamente la música que tocan y todo el abanico de posibilidades que ofrecen los instrumentos.

El holandés Kraayenhof se aventura en profundizar con maestría en la cultura de un lugar del mundo del que se manifiesta apasionado, desde el bandoneón y el Tango, buceando en otros géneros que aparecen viajando hacia los antiguos arrabales de la ciudad y terminando en la extensa geografía sudamericana. La inspiración del argentino Dobal y su conocimiento de la música de raíz de su país, recrean con otro aire, pero con el mismo sentimiento, la expresión sonora de su pueblo.

“Hotel Victoria” es un trabajo para disfrutar, para conocer, una propuesta amplia y rica, con el piano y el bandoneón como instrumentos destacados y un sonido instrumental de gran calidad técnica e interpretativa.

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Fusión cosmopolita de música latina desde Canadá

Neo-Reconquista (editado por Maisonnette Music ) es el nombre del más reciente álbum de Boogat, quien es considerado un MC  dentro del mundo del rap. Nació en Canadá, hijo de padres mexicana y paraguayo, durante quince años ha rapeado en Francés, pero siguiendo ciertos impulsos y llevado por circunstancias filosóficas y artísticas, desde hace cinco años rapea y canta sus propios temas en Español.

Boogat relata realidades con su voz utilizando el sonido latino como recurso musical, pasando por el tropical bass, hip hop, música urbana, electrónica y otros. Desde que adoptó el Español como idioma en el que se expresa, las fronteras de su arte se expandieron y como una ola los elementos de su cultura ancestral invadieron su carrera artística, sus giras y sus perspectivas creativas.

La “reconquista” de Neo-Reconquista tiene una lectura social, Boogat se identifica con un movimiento que trasciende las fronteras, especialmente en el norte de América donde la recuperación del orgullo de ser latino es un tema presente y central en la vida de los muchos millones de latinos que viven en los países poderosos originalmente no latinos.

Como un artista plástico que va adaptándose al tiempo en el que vive y manifestándose desde la frescura del presente y las circunstancias del entorno que lo inspiran, este creador de Montreal, re-significa sus raíces, no sólo de su latinidad sino de la sociedad, bañándose de calle y atravesando prejuicios o ideas de lo que puede hacerse o no en la música.

Las letras de los temas de Boogat hablan de su entorno, de las costumbres, de la herencia étnica y cultural, de la multiculturalidad, la integración, la tolerancia y la diversidad que ha ido creando códigos en un país que recibe inmigrantes desde siempre; sin dejar de lado temas desde un enfoque más amplio como la desigualdad económica-social, las condiciones que crean la necesidad de migrar, el cinismo del poder y los poderosos,  la justicia o injusticia del sistema predominante.

El territorio de Boogat se extiende desde su originario Canadá, en donde se presenta habitualmente girando por las distintas ciudades, o Estados Unidos  hacia países como su ancestral México, en donde su popularidad va creciendo año a año, o España, en donde las canciones de “Neo-Reconquista” comienzan a escucharse.

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Manish Vyas, auténtico sonido de música de fusión hindú.

por Pablo Rego | El talento musical coloca al compositor, multi-instrumentista y cantante hindú Manish Vyas a la vanguardia de una nueva generación de artistas que sirven de puente entre sus tradiciones y la música del mundo moderno. Así lo demuestra  su más reciente álbum “Atma Bhakti” (subtitulado Sonidos curativos de oración) editado por New Earth Records

En este álbum Manish crea climas y ambientes sonoros característicos y auténticos a través de su particular voz y de la propia interpretación de  la swarmandal (arpa de la India), tanpura (instrumento de cuerda pulsada de cuello largo), teclados, gong y una variedad de campanas. A él se unen su buen amigo Milind Date en la flauta de bambú, junto con Jay Dave, Krishna Jani y Singdha Pious en coros.

La formación musical de Vyas, que estudió con algunos de los panditas (eruditos)  más destacadas en la India, su reconocimiento surgido de la colaboración con los mejores músicos del género como  Prem Joshua, Snatam Kaur o Deva Premal y la difusión que ha hecho de la música devocional nos permiten disfrutar hoy de la madurez de uno de los artistas más completos dentro de este tipo de músicas en el mundo.

El álbum se compone de dos pistas multi-sección de media hora de duración además de una pieza de cantos védicos de cinco minutos de duración. En primer lugar está el tema "Atma", que significa "alma o lo divino" y se basa en el mantra "mangalam" con un clima muy meditativo. El segundo tema largo es "Bhakti", que significa "la devoción o de culto" y se basa en el mantra "om namaha Shivaya" dedicado al dios Shiva.  La última canción, “Canto védico” es una forma muy potente de canto de la India realizada por los sacerdotes o como un ritual de un grupo o de la oración.

Sería imposible separar las características culturales de la música del resto  de las manifestaciones  que se dan en India. Arte, cultura, religión y espiritualidad están todos atravesados por un ancestral foco en el mundo devocional. Manish Vyas se crió en el seno de una familia de músicos en Gujarat, pasando su infancia en torno a un ambiente de familia, amigos, danza, meditación y encuentros de música.

Su camino signado por la música, por la interpretación de la tabla, los cantos devocionales, la práctica espiritual y luego el recorrido por el mundo interactuando por más de veinte años con artistas ampliamente reconocidos, tocando en gran parte de los cinco continentes, va dejando el rastro del talento artístico y el compromiso con la manifestación musical como un testimonio profundo y auténtico, como una huella trascendente en el mundo de la cultura de su país y hacia el mundo.

Según Manish, “Atma Bhakti” contiene música para la oración y la meditación, para crear un espacio para el oyente, especialmente para cualquier persona que hace yoga o que sigue otras prácticas de devoción, donde es posible conectar con un nivel superior de conciencia"

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“Vidas pra contar”, un nuevo clásico del brasileño Djavan.

El cantante, compositor, letrista, guitarrista y arreglista Djavan es un artista que sigue evolucionando. A sus más de sesenta años de edad, su nuevo trabajo trasciende las barreras del lenguaje musical para integrar en los doce temas del disco un estilo propio que le otorga una identidad única dentro de la rica variedad de la música brasileña.

“Vidas pra contar” (Sony Music) es nada menos que el vigesimotercer álbum de su prolífica carrera musical, en la que ha transmitido con un alto nivel de creatividad poética su visión de la vida real. A esta altura de su vida y de su carrera Djavan eleva el sonido de su música adaptándolo a la banda que lo acompaña, sonando profundo y a la vez contemporáneo.

Heredero de la música popular brasileña, en la que su madre lo introdujo en la infancia, Djavan ha desarrollado su propio lenguaje y en su más de cuarenta años de trayectoria, presentando sus proyectos propios y compartiendo escenario y estudio con los artistas más grandes de Brasil, ha sido reconocido en 2015 con el Grammy Latino a la Excelencia Musical.   

En “Vidas pra contar” comparte el concepto y la concreción de la música con un gran grupo de artistas integrado por Paulo Calasans en piano y teclados (considerado uno de los mejores pianistas de su país, quien ha tocado con Gilberto Gil, Gal Costa y Rita Lee, entre otros),  Marcelo Mariano en bajo  (uno de los más importantes bajistas de Brasil, hijo del mítico César Camargo Mariano, que ha tocado junto a Leni Andrade, Simone, Gal Costa y Chico Pinheiro) y Carlos Bala (elogiado baterista que ha tocado con Caetano Veloso, Chico Buarque, María Bethania y Eliane Elías) en batería; además de las guitarras acústicas y eléctricas de João Castilho (virtuoso y versátil intérprete de guitarra eléctrica y acústica, que ha participado de formaciones como la de Ivan Lins, Sandy & Junior, Ed Motta o Nana Caymmi) y del propio Djavan a los que se suman los coros de Jessé Sadoc y Marcelo Martins.

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Now, dulces melodías de Paz del Castillo

por Pablo Rego | La aparición de “Now“ (The Borderline Musc Label) en el mercado discográfico es una buena noticia. Diciendo presente con mucha fuerza, la española Paz del Castillo aporta nuevas melodías en un álbum de solo piano, cuyos elementos característicos son las emociones, la técnica, la expresividad, el respaldo de una extensa y gran formación académica.

Las melodías de “Now”, -cuarto álbum de la española- que hace referencia al aquí y el ahora, al presente, a cada momento de la vida, están llenas de armonía y no buscan en ningún momento llevar al oyente a un lugar de tensión ni disconfort, sino todo lo contrario. Como si las experiencias del mundo fueran sufrientes para cada uno, lo que nos aporta Paz del Castillo con sus creaciones es una mirada pacífica, sosegada, reflexiva del mundo a través de su expresión.

Los sonidos que discurren entre los dedos de esta excelente pianista, protagonista de la escena de la música académica europea, se quedan grabados rápidamente en el lado sensible del ser, como si, además de ser percibidos por los oídos, penetraran directamente en el alma, como ondas vibratorias que el cuerpo quiere recibir y aceptar.

Paz del Castillo nos presenta pequeñas grande piezas, pinturas musicales que expresan, desde un impresionismo sensible, haciendo de “Now” un álbum de música pura, una visita a la dimensión intangible en la que la geometría del universo conspira a favor de la armonía de los seres.

Paz del Castillo nació en Madrid y creció en Valladolid. A los siete años de edad comenzó sus estudios en el conservatorio de Valladolid, graduándose en el mismo como Licenciada en música especializada en piano. Después de su graduación, viajó a Inglaterra para asistir a la Escuela Internacional de Música Dartington donde estudió con el profesor y pianista Stephen Kovacevich. Regresó a España y se graduó en el Conservatorio Superior de Música Teresa Berganza - El Escorial en Madrid (estudios de alto nivel con la profesora Rosa M. Kucharski). Como compositora e intérprete participó del Concurso Nacional Música Joven organizado por la Junta de Castilla y Leon, saliendo finalista el primer año y obteniendo el primer premio en el segundo año de su participación. A raíz de una master class con el profesor y pianista argentino Aquiles Delle Vigne, ganó una beca para estudiar "técnica e interpretación de piano” con él en el Mozarteum Musik Akademmie en Salzburgo, Austria, durante un año. Del Castillo ganó el Premio de Composición en el Concurso Internacional Music Exchange Piano que incluía viajar al norte de Gales para interpretar material original en el Festival Internacional de Música. En los últimos años se convirtió fundadora y presidente de la European Piano Teachers Association (EPTA).

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Un viaje al corazón del Tango con Analía Rego

por Pablo Rego | La artista argentina que recorre el mundo regándolo con Tango presenta un videoclip esencial, con todos los elementos que debe tener un momento con el género rioplatense.

En el videoclip Analía Rego se incluye como parte de una postal típica del ambiente tanguero tradicional, trascendiendo las épocas, con un aroma a viejos aires y un color de la Buenos Aires de hoy, en un típico café del mítico barrio de San Telmo, en donde el cuadro es completado por una pareja de baile que, entre las mesas del bar, baila de manera íntima, al estilo clásico de barrio.

La interpretación del tango Orlando Goñi escrito por Alfredo Gobbi  en 1949 y la ejecución  limpia, pura, exacta de la guitarra clásica ofrecen al oído la oportunidad de apreciar la Música, entre la imágenes, el sonido del instrumento, las notas, el respeto por la cadencia, por el matiz que expresa el ADN del Tango, esa raíz queAnalía Rego toca como una médium, dejando salir de ella el mucho tiempo de profundo estudio de una manera natural, como si el tango estuviera escrito en ella antes de volverse audible. 

Maestra de la guitarra y profunda conocedora del género rioplatense, que se extiende alrededor del planeta cada vez más como una música de raíz y del mundo, Analía Rego con su guitarra visita los escenarios de gran cantidad de países de Europa y América -del sur y del norte-, tanto por ser intérprete de tango como por ser una grandísima guitarrista.

Su carrera como artista que vive el matrimonio guitarra-tango o tango-guitarra de manera comprometida desde hace tiempo va más allá de tocar, la encuentra en diferentes roles como la docencia o la profesión en el sentido del profesor, del que profesa y difunde. En ese camino del profesar el tango Analía Rego comparte esta gran interpretación de un tango clásico en un ambiente que interesa a propios y extraños, desde la identidad única de un género vivo que atrapa y emociona.

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Música desde el alma para el mundo espiritual.

Sausalito, California, EE.UU. – “Waves of life” es el nombre de uno de los más recientes lanzamientos de Real Music. Esta propuesta es un entretejido de climas que surgen de la expresividad pura de Ashaneen, un artista que se autodefine más por su recorrido espiritual que por sus pergaminos como músico, aunque demuestra en el sonido creado y por su extenso recorrido como músico y terapeuta, una amplio manejo de los recursos necesarios para crear estas “ondas de vida”, que se mantienen dentro de una armonía profunda, sin grandes saltos, transformándose las unas en las otras como las olas del mar.

Todo el sonido de este trabajo, de algo más de una hora de duración, parece representar esas indefiniciones que el ser humano intenta concretar sin éxito desde el comienzo de los tiempos propias del mundo espiritual, antes o después de la mente. 

La música atraviesa al hombre, lo llama a seguir un sonido, los recursos concretos no son más que vehículos para que Ashaneen ordene sensaciones, percepciones, el dictado de la intuición resultando sonidos que contienen grandes sostenidos armónicos, coloraturas que remiten a la amplitud del alma o del universo, de la energía, sonidos característicos de los seres espirituales, cantos sutiles, campanas, flautas que de manera sutil aparecen como pinceladas para recordarnos que lo que suena tiene conexión con este mundo. 

“Waves of life” es un trabajo más de este especialista de origen polaco que lleva más de treinta álbumes enfocándose en crear climas sonoros para momentos de relajación, meditación o para ingresar al sueño profundo. 

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